Handgemachter Techno und feinste Improvisation: Das dem Jazz entspringende Klaviertrio LBT hat in den letzten Jahren seine wundersame Wandlung zum gefeierten Techno-Act erfolgreich vollzogen. Das macht Musikkritiker genauso glücklich wie das spätestens nach dem dritten Track tanzende Publikum jeglicher Altersgeneration. Ihr unverkennbarer Sound mit treibender Kickdrum, irrlichterndem Klavier und fettem Bass lässt definitiv niemanden stillsitzen. Wie die drei perfekt eingespielten Jungs ihren akustischen Instrumenten darüberhinaus die ungeheuerlichsten Klänge entlocken, bleibt so geheimnisvoll wie faszinierend. Mit ihrem neuen Programm "Stereo" (ENJA Records) bringen sie Modern Jazz und Techno an einem Abend zusammen.

Die vier Musiker der LCD CONNECTION sind seit Jahrzehnten musikalisch miteinander verbunden. Sie trafen in verschiedensten Projekten immer wieder aufeinander, als Quartett aber noch nicht vor 2019. Da endlich bot sich diese Gelegenheit beim Dresdner Elbhangfest – der Start für mehr.

Das Quartett spielt ausschließlich eigene Kompositionen, die zum großen Teil neu entstanden sind und zu denen jeder der vier seinen kompositorischen Beitrag leistet. Darin sind die musikalischen Handschriften des Einzelnen zwar immer hörbar, doch der gemeinsame Klang steht immer im Vordergrund.

Und so hören wir nun gemeinsam in dieser Leipzig-Chemnitz-Dresden-Verbindung den sagenhaften "deutschen Jimi Hendrix" Joe Sachse an der Gitarre, den – neben vielen anderen Formationen – aus dem Andreas-Altenfelder-Quintett oder dem Manfred-Schulze-Bläserquintett bekannten Bassklarinettisten Heiner Reinhardt, den fantasiereichen Cello-Meisterimprovisator Peter Koch und den Magier des Percussion-Instrumentariums Wolfram Dix.

Zu sagen, Eva Klampfer alias LYLIT hätte eine der größten Soul-Stimmen, die Österreich je hervorgebracht hat, wäre eine unnötige Untertreibung. Sie spielt Klavier seit sie fünf war, sang bald darauf schon Gospels im eigens gegründeten Chor, veredelte mit ihrem Talent eine Unzahl von Bands und fand sich mit Mitte zwanzig plötzlich in einem New Yorker Studio wieder, um für Kedar Massenburg, den früheren Boss von Motown Records, zu singen. Der Mann, der schon Erykah Badu, India.Arie oder D'Angelo groß herausgebracht hatte, nahm auch Lylit unter Vertrag. Das war 2012. Eigentlich sollte bald die ganze Welt von ihr hören, doch Massenburg ging pleite, ließ seine Künstler aber nicht aus ihren Verträgen. Erst 2018 durfte Lylit wieder eigene Musik veröffentlichen: ihr Album "Inward Outward" erschien und nun also startet die Frau, die Sängerin der Parov Stelar Band war und mit renommierten Künstlern wie Ty, Blumentopf, SK Invitational und vielen anderen aufgetreten ist, als Künstlerin unter ihrem eigenen Namen richtig durch. Lylit verschafft sich nicht nur durch ihre Virtuosität Gehör, sondern auch durch die Intensität, die Innerlichkeit und die Verletzlichkeit, die in ihren Songs liegen.

Cello! Was assoziiert man beim Hören dieses Wortes? Die menschliche Stimme? Spiegel der Emotionen? Klänge des Lebens?

BENAR begibt sich in seinen Kompositionen auf die Suche: nach Studium und Orchester heraus aus bekannten Rollen, entgegen Konventionen auf den Weg zur eigenen, eigentlichen Aussage. Was möchte ausgesprochen, was verschwiegen werden; was wird geahnt und was gefühlt? Zu Wort kommt das Cello, gelegentlich mit Loops und Effekten zeigt es seine Facetten: melodiös, solierend, zelebrierend, rhythmisch, wabernd, schreiend, kämpfend, sich entblößend, zerfallend, klagend, neu aufbauend, vorwärtstreibend, jubelnd und seufzend. Es umhüllt den Hörer, sucht und schenkt Empfindsamkeit.

FREYA ARDE ist eine preisgekrönte Filmkomponistin und Gitarristin. Für ihr Kinodebüt "Nellys Abenteuer" erhielt sie 2016 den Deutschen Filmmusikpreis als beste Newcomerin. Seitdem hat sie fast 20 Filme vertont, darunter "Das geheime Leben der Bäume" und "Meine wunderbar seltsame Woche mit Tess", der aktuell im Kino läuft. In diesem Jahr noch erscheint ihr Debüt als Solokünstlerin, in dem die European-Guitar-Award-Gewinnerin zu ihren Wurzeln als Instrumentalistin zurückkehrt. Ihre melancholisch-experimentellen Klangflächen eröffnen Räume, geben dem Zuhörer Platz für eigene Bilder. Eine minimalistische Musik der wenigen Töne - ehrlich und tief. „Freya Arde als Komponistin, Interpretin und DJane in Personalunion. Was sich nun bot, ist von der Konzeption an Kreativität kaum zu überbieten. […] Es entstanden sphärische, gläserne Klänge, mitunter elektronisch, hypnotisch, strukturell fast wie Minimal Music. […] ein spannender, horizonterweiternder Beitrag.” Daniel Huschert, auftakt

REENTKO DIRKS ist ein Grimme-Preis nominierter Gitarrist und Komponist. Er schrieb und produzierte Musik für Künstler des Cirque du Soleil sowie die Semperoper Dresden und ist Mitglied im European Guitar Quartet. Seit 2019 ist er der Gitarrist in der Band Masaa. Einem breiten Publikum ist Reentko vor allem als Gitarrist an der Seite von Giora Feidman oder auch Ben Becker bekannt. Er ist sowohl in der Klassik (u.a. mit Ksenija Sidorova, Yo Yo Ma) als auch in der Popmusik aktiv (Bosse, Max Mutzke u.a.).

1979 in Bad Gandersheim (bei Göttingen) geboren, erhielt Reentko seinen ersten Gitarrenunterricht im Alter von sieben Jahren. Im Jahr 2000 ging er für das Studium “Gitarre Worldmusic” nach Dresden, wo er seit 2007 selbst als Dozent tätig ist. Er entwickelte eigene unorthodoxe Spieltechniken auf der Gitarre und setzte sich intensiv mit Flamenco und außereuropäischer Musik auseinander - hierfür lebte er u.a. ein halbes Jahr in Jerusalem, um sich verstärkt mit der dortigen arabischen Musik auseinanderzusetzen.

Einige seiner Projekte wurden mit Preisen ausgezeichnet (u.a. Sonderpreis "European Guitar Award 2006ʹʹ und dem Deutschen Kleinkunstpreis 2008). Seine CD "Sounds for the silver screen" entstand teilweise in Zusammenarbeit mit dem Hollywood- Komponisten Richard Horowitz, sein Nachfolger "Le Cirque" wurde 2013 für den Deutschen Schallplattenpreis nominiert. Die von ihm co-arrangierte und eingespielte CD "Carmen" mit Ksenija Sidorova erhielt 2017 den Klassik-Echo.

Seine Konzertreisen und Workshops führen ihn in Konzertsäle und Länder auf nahezu allen Kontinenten (u.a. Carnegie Hall/New York, Concertgebouw/Amsterdam, Tchaikovsky Hall/Moskau).

“In seiner Musik erzählt uns Reentko Geschichten - von weit entfernten Orten und denen tief in uns selbst. Und er ist ein außergewöhnlicher Geschichtenerzähler.” (YoYo Ma)

“Deeply touching and unique... phenomenal.” (Chicago Tribune)

“He is fantastic”(Al di Meola)

Die SCARY FOREIGNERS sind eine vierköpfige Dresdner Band aus drei verschiedenen Ländern. Mit der Kombination aus schottischem, amerikanischem und deutschem Hintergrund decken Scary Foreigners eine Reihe von Melodien und Stilen ab und mit politischen Humor beweisen sie, dass Ausländer überhaupt nicht wirklich beängstigend sind … Wir sind alle scary foreigners.

Der Grammy-nominierte Hang-Spieler, Perkussionist und Komponist MANU DELAGO ist zurück mit einem neuen Album und seiner bisher größten Liveshow. Circadian (One Little Indian Records, Sep. 2019) ist eine akustische Reise durch die verschiedenen Schlafzyklen, von REM über Leicht- und Tiefschaf bis zu einem abrupten Erwachen – inspiriert vom zirkadischen Rhythmus des Menschen und Delagos persönlichem Schlafentzug während seiner zahlreichen internationalen Tourneen mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar.

Erst 2018 veröffentlichte Manu Delago seinen mehrfach ausgezeichneten Berg- und Musikfilm "Parasol Peak", in dem er und sein Ensemble bei extremen Bedingungen am Berg live performten und gemeinsam mit einer Film- und Audiocrew diese Expedition zu einem Gesamtkunstwerk zusammenfügten. Diese besondere Erfahrung in Sachen Team Spirit und das gemeinsame Musizieren in schwindligen Höhen motivierten Manu Delago, für "Circadian" ein neues Ensemble zusammenzustellen, um das Album und die Live-Show zu einer einzigartigen akustischen Reise zu machen.

Nach seinen elektronisch-verspielten Vorgängerwerken "Silver Kobalt" und "Metromonk" sind es immer noch die urbanen Klangwelten, die Manu Delago inspirieren, jedoch finden sich diese immer mehr und mehr in akustischen Formen wieder.

Der Multimediakünstler FLOEX ist der Mann hinter dem Soundtrack des legendären Computerspiels "Machinarium", das sich weltweit über 5 Millionen Mal verkaufte. Anlässlich des 10. Jubiläums des Spiels ließ Floex den Hauptcharakter aus "Machinarium", JOSEF THE ROBOT, als lebensgroße Figur bauen und lässt ihn jetzt bei seinen Konzerten Schlagzeug spielen. Mensch und Maschine stehen gemeinsam auf der Bühne und entfalten das einzigartige, atmosphärische Universum der elektro-akustischen Musik, für die Floex international bekannt und geschätzt ist. Ein höchst ungewöhnliches und besonderes Konzert erwartet uns, das zusätzlich noch von der Mitwirkung der Sängerin NEVER SOL gekrönt wird.
Zu hören sein werden Stücke aus "Machinarium" und dem Album "Machinarium Remixed", das im vergangenen Jahr u.a. mit dem britischen Electronic-Duo Orbital entstand, großen Fans von Floex' Musik. Präsentiert werden außerdem Stücke des sensationellen Albums "A Portrait of John Doe", das Floex mit dem englischen Keyboarder Tom Hodge und dem Prager Radio Symphonieorchester eingespielt hat und das mit dem Angel Award – dem tschechischen Grammy – ausgezeichnet wurde.

Die unkonventionelle CLARINET FACTORY gehört zu den außergewöhnlichsten Ensembles der tschechischen Musikszene der letzten 25 Jahre und ist weltweit bekannt. Sie spielten in gemeinsamen Projekten mit dem ultrahippen Hidden Orchestra ebenso wie mit Bobby McFerrin. Die Band begeisterte das Publikum bei der WOMEX gleichermaßen wie bei Classical: NEXT 2019 oder auf Jazzfestivals.

Seinen besonderen Status hat sich das Quartett aus vier exzellenten Musikern durch sein nach vielen Seiten offenes, genreübergreifendes Konzept erspielt. Moderne Klassik, Jazz, World, Minimal und Electronic Music finden hier nahtlos zueinander und ergeben ein berauschendes Ganzes.

Im Juni 2020 erschien das neue Album der Band, "Pipers". Akustisches und elektronisches werden hier clever kombiniert (sogar eine Electro-Klarinette kommt zum Einsatz), Special Effects und Loops innovativ verwendet und Soundmagier MILAN CIMFE verlieh den neuen Stücken eine gewisse Rock-Energie. Der bekannte Produzent und Tonmann wird beim Konzert der Clarinet Factory nun sogar dabei sein – als Sounddesigner dieser einzigartigen Band.

Die Komponistin, Sängerin und Multiinstrumentalistin BÁRA ZMEKOVÁ bewegt sich in ihren Liedern schwebend zwischen Jazz, Folk, Klassik und elektronischer Musik.

Bára singt auf Tschechisch. Doch selbst, wer die Sprache nicht versteht, wird ihr und ihrer außergewöhnlichen Band fasziniert in deren traumgleiche Welt folgen. Ihre zerbrechlichen, sehr intensiven Songs entführen, verführen, nehmen unweigerlich gefangen. Leichtfüßiger Humor und eine unvergleichliche Performance lassen die Poesie der Stücke sanft und beständig leuchten. Man kann gar nicht anders, als Bára Zmekova zu mögen.

2013 begann Báras unaufhaltsamer Aufstieg in Tschechien. Inzwischen wurde sie mit Preisen überhäuft, trat als Support für Sophie Hunger auf und war Jury- und Publikumssiegerin des wichtigsten internationalen Showcase-Festivals des Nachbarlandes Czech Music Crossroads.

der Grammy-nominierte Hang-Spieler, Perkussionist und Komponist MANU DELAGO ist zurück mit einem neuen Album und seiner bisher größten Liveshow. Circadian (One Little Indian Records, Sep. 2019) ist eine akustische Reise durch die verschiedenen Schlafzyklen, von REM über Leicht- und Tiefschaf bis zu einem abrupten Erwachen – inspiriert vom zirkadischen Rhythmus des Menschen und Delagos persönlichem Schlafentzug während seiner zahlreichen internationalen Tourneen mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar.

Erst 2018 veröffentlichte Manu Delago seinen mehrfach ausgezeichneten Berg- und Musikfilm "Parasol Peak", in dem er und sein Ensemble bei extremen Bedingungen am Berg live performten und gemeinsam mit einer Film- und Audiocrew diese Expedition zu einem Gesamtkunstwerk zusammenfügten. Diese besondere Erfahrung in Sachen Team Spirit und das gemeinsame Musizieren in schwindligen Höhen motivierten Manu Delago, für "Circadian" ein neues Ensemble zusammenzustellen, um das Album und die Live-Show zu einer einzigartigen akustischen Reise zu machen.

Nach seinen elektronisch-verspielten Vorgängerwerken "Silver Kobalt" und "Metromonk" sind es immer noch die urbanen Klangwelten, die Manu Delago inspirieren, jedoch finden sich diese immer mehr und mehr in akustischen Formen wieder.

Tom Götze und Stephan Bormann spielen mit berührender Intensität, prägnanter Leidenschaft und mitreißender Dynamik. Nur mit Bass und Gitarre schaffen sie den Eindruck einer orchestralen Dimension. Ihre Musik ist eine fesselnde Mischung aus Pop, World Music und Jazz. Dabei bewegen sie sich stilsicher zwischen wunderschönen Melodien und virtuosem Saitenzauber. Bass und Gitarre führen ein Zwiegespräch und beziehen sich aufeinander wie Yin und Yang. Zahlreiche Konzerte und Einladungen zu verschiedenen Festivals folgten ihrem erfolgreichen Debütalbum "Pearls", das 2013 bei Acoustic Music erschienen ist. Mit "Clouds" erschien im Januar 2020 endlich der Nachfolger des THE 10STRING ORCHESTRA. In ihren Konzerten sorgen die beiden Ausnahmemusiker regelmäßig für atemloses Staunen.

Tom Götze zählt zu den herausragenden deutschen Bassisten. Er arbeitet u.a. mit Adam Rogers, Mike Stern, den Pet Shop Boys, Armin Mueller-Stahl, Günther Fischer u.v.a. zusammen. Seit 1989 spielt er in der Dresdner Kultband Dekadance. Als Gründungsmitglied der Dresdner Sinfoniker ist er regelmäßig auch als Solist an deren Projekten beteiligt. Gastspiele und Tourneen führten ihn nach Kanada, Skandinavien, England, Spanien, Italien, Österreich, Russland, China, in die Schweiz und nach Tschechien. Seit 2006 unterrichtet er an der Dresdner Hochschule für Musik und ist dort Professor für Kontrabass & Bassgitarre.

Stephan Bormann zählt zu den viel*saitig*sten deutschen Gitarristen. Mit seinen Projekten, dem Cristin Claas Trio, Hands On Strings, Jule Malischke oder als Solist bestreitet er ca. 100 Konzerte im Jahr. Er ist nicht nur erfolgreicher Musiker, sondern auch Komponist mit Veröffentlichungen im AMA-Verlag und bei Schott Music. 2013 erschien dort sein "Solo Guitar Book".

Als Sideman hat er mit diversen Künstlern gearbeitet und war im Konzert mit Nils Landgren, Till Brönner, der Leipzig Big Band, Günther Fischer u.v.a. zu erleben. Er leitet seit 1995 eine Hauptfachklasse an der Hochschule für Musik in Dresden und ist dort Professor für Gitarre Jazz/Rock/Pop. Workshops führten ihn in zahlreiche Städte Deutschlands sowie nach Italien, Österreich, Frankreich und in die USA.

Der umtriebige Dresdner Weltbürger BABY SOMMER ist auch nach Jahrzehnten, die er als Schlagzeuger den deutschen Jazz ein ganzes Stück weit mit revolutioniert hat, immer noch auf der Suche nach neuen Herausforderungen. Hier kommt seine neueste: DIE BRÜDER LUCACIU. Er formt ein Quartett mit dem Saxofonisten Antonio Lucaciu [Udo Lindenberg, Clueso], dem Bassisten Robert Lucaciu [Eva Klesse, Arne Jansen, Plot u.a.] und deren jüngstem Bruder, dem Pianisten Simon Lucaciu [Das Runde Dreieck]. Spannend wird sein, wie die Vier mit ihren je eigenen musikalischen Ansätzen eine gemeinsame Erzählstruktur finden. Mit Blick auf ihre je unterschiedlichen Lebens- und Erfahrungshorizonte ist das Konzert eine Begegnung besonderer Art und – hoffentlich – der Beginn von etwas Dauerndem: in der Tradition wurzelnd und die musikalischen Horizonte unterschiedlicher Generationen in ein neues, zukunftsweisendes Ganzes einbringend.

In der BERT STEPHAN GROUP – BSG9 improvisieren die Musiker ohne Absprachen und Vorgaben. Das Konzert wird so zur einmaligen und nicht reproduzierbaren Performance. Mit den Jahren hat sich dadurch ein gewisser musikalischer Style entwickelt – und dieser bewegt sich irgendwo zwischen Ambient und Chill, immer wieder durchbrochen von jazzigen Passagen und kraftvollem Psychedelic Rock. Die siebziger Jahre haben die Band sehr beeinflusst, aber auch Bands und Musiker wie Miles Davis, Frank Zappa, CAN und Nils Petter Molvaer.

„Ihre Musik ist voller Phantasie und ohne Kategorie. Von der europäischen Klassik kommend, mit wundervollem Anschlag, hat sie etwas Vollkommenes, Eigenes geschaffen. Wunderschöne Musik von A - Z. Ein neuer Stern am Pianohimmel.“ schreibt Klavier-Ikone Joachim Kühn über seine junge Kollegin JOHANNA SUMMER. Und Piano-Poet Malakoff Kowalski schwärmt: „Skandalös gut. Ich bin hingerissen und verblüfft von Johanna Summer. Eine Künstlerin, die furchtlos der Musik zu folgen scheint.“

Selten hat ein Debütalbum einer jungen Instrumentalistin derart schnell derart begeisterte Reaktionen hervorgerufen, wie „Schumann Kaleidoskop“ der bereits mehrfach ausgezeichneten Wahl-Berlinerin Johanna Summer. Auf dem Album spannt sie einen weiten, improvisatorischen Bogen über Stücke aus Robert Schumanns „Kinderszenen“ und „Album für die Jugend“ – Stücke, die ihr, und den allermeisten Pianisten, tief vertraut sind, die sie als Ausgangspunkt für komplett freie Improvisationen nutzt und so bei jedem Anlauf ganz neue Musik entstehen lässt.

Dass sich Johanna Summer für ihr Debüt gleich der Königsdisziplin, dem Solo-Piano annimmt, zeigt, dass sie eine ist, die nie den einfachen Weg geht. Egal, ob mit klassischen Stücken, Eigenkomposi-tionen oder Jazz-Standards – immer schafft sie es in ihren Improvisationen, eine weite, dynamische Erzählung zu entwickeln, mal zart und zerbrechlich, mal spannungsreich, rhythmisch zupackend oder unwiderstehlich melodisch. Zugleich hat man nie den Eindruck, es ginge ihr darum, möglichst viele Ideen abzufeuern, oder sich als Virtuosin zu präsentieren. Alles passiert im Sinne des musikalischen Storytellings, mit einem äußerst reifen, weitsichtigen Blick für Dramaturgie, Dynamik, Spannung und Atmosphäre. Die Süddeutsche Zeitung findet das schlicht „eine kleine Sensation“, das Klassikmagazin Fono Forum „faszinierend feinsinnig“ und Jazz thing konstatiert: „eine Pianistin ganz eigenen Charakters, virtuos, subtil und filigran“. Jazz, Klassik und freies Spiel – Johanna Summer kreiert aus dem Moment heraus ihre ganz eigene Musik, und es ist ein Erlebnis, ihr dabei zuzuhören.

Für ihr Ende 2016 veröffentlichtes Album „Look At Me“ (Traumton Records) erhielten LAMMEL | LAUER | BORNSTEIN eine „Jazz-Echo“-Nominierung und viel Lob von allen Seiten. Der Jazzredakteur des Deutschlandfunks Kultur begeisterte sich für den „unglaublich schönen Sound“, Concerto erkannte „hohe intuitive Improvisationskunst.“ Und in der FAZ war zu lesen: "[LLB] wissen, wie man ein Publikum bei Laune halten kann, ohne in plakatives Entertainment zu verfallen. [Live] laden sie ihre Stücke mit mehr Energie auf, die sich in größerer Dynamik und weitläufigeren Improvisationen zeigt."

Rechtzeitig zum 10. Bandjubiläum erschien im Oktober 2019 mit „Field“ (Traumton) das neue Werk der weit gereisten Mittdreißiger. Hier loten sie noch entschiedener die Spanne zwischen lyrischen Balladen und kraftvollen Stücken aus. Dynamisch vereinen LLB traumverlorene Melodien und harmonische Vielfalt, ansteckende Grooves und rhythmisch ausgefeilte Strukturen zu ihrer persönlichen Klangsprache.

Der DOWNBEATCLUB groovt. Rockige, Blues-basierte Riffs lassen einen an Bands aus den 70ern wie “The Meters” denken, der über allem stehende lässige funky Groove auch an “Scofield Medeski Martin and Wood”. Meist mit Geschichten und Bezügen zu Kunst und Film garniert, erzeugen die drei Clubmitglieder mit ihren Songs in höchstem Maße mitreißende Stimmungen. Die extrem kurzweiligen Songstrukturen, in denen sich immer wieder auch in den Gesamtklang eingebettete Soli ergeben, lassen ein einzigartiges Konzerterlebnis entstehen, das an Intensität seinesgleichen sucht. Pulsierende Beats lösen Raum und Zeit auf hypnotische Weise auf. Chamäleonartig passen sie ihre musikalischen Farbgebungen einander an und erschaffen so ein einzigartig homogenes und klares Klangbild. Energiegeladen. Treibend. Bewusstseinserweiternd. Die flirrende Weite, die diese Band erzeugt, lässt tatsächlich mehr als drei Musiker vermuten. Ein beeindruckendes Zusammenspiel, erzeugt durch die ausgereifte Balance von Präzision und individueller Freiheit. In vier Worten? “Down, Dirty and Funky”. Das sagte der US Gitarren-Star Will Bernard schon 2012 zum Downbeatclub. Dieses Motto haben die drei Musiker konsequent weiterentwickelt. Die Konzerte sind zu hypnotischen Feuerwerken geworden.

Mit dem 2019 erschienenen, neuen Album "Turkey" hat sich die Fangemeinde der Band erneut erheblich vergrößert. Denn der "James Bond der Hammondorgel" und seine Mannen wissen sehr genau, wie das Publikum "geschüttelt, nicht gerührt" wird.

Es klingelt, surrt und dröhnt. Es klirrt, summt und tanzt.

Wenn zwei Frauen mehr als zwei Stimmen haben, möchte man in der Regel Reißaus nehmen.

Doch im Falle von OLICÍA ist das anders. Kopfnicken ist hier angesagt. Was als Minisetup mit nur zwei kleinen Loopstations begann, erweiterte sich im Laufe der Zeit um neue Instrumente, Aufbauten und Songstrukturen. In einer Zeit, in der Stilgrenzen immer mehr aufbrechen, platziert sich Olicía im eigens begründeten Genre "electronic handmade loopjazz". Alles was auf der Bühne zu hören ist, entsteht im Moment, nichts ist vorproduziert. So spielen die beiden auch komplett improvisierte Stücke in ihren Liveshows und umarmen den Augenblick des spontanen Eintauchens, Austauschens und Überraschtwerdens.

Während Anna an allen möglichen Tasten zu hören ist, harmonische Wendungen anzettelt und an Synthesizerknöpfen dreht, sprudeln bei Fama Percussionsounds aus Drumpad, Händen oder Mund und dieser formt auch mal einen richtig dicken Bassound.

Mit Loop Stations, ihrem Instrumentenarsenal und den teils verfremdeten Stimmen entstehen Soundlandschaften voller Suggestion und meditativer Energie.

Jan Heinke baut Klangskulpturen und Musikinstrumente aus Stahl, gründete das Stahlquartett, studierte Saxofon und untersucht seit etwa 30 Jahren die musikalischen Möglichkeiten der menschlichen Stimme, vor allem des Obertongesangs. Meist reist Heinke mit einem von ihm selbst entwickelten, Stahlcello genannten Streichinstrument, einer Zeitlupe für Klänge. Er arbeitet europaweit für Projekte mit Jazz, klassischer, Welt-, alter, zeitgenössischer, elektronischer Musik in Produktionen für Theater, Tanz, Oper, Ambient, Zirkus, Film, Galerien, Funk und Festivals, oft zusammen mit Chören, Bands, Orgeln, Bahnhöfen, Streichquartett, Stadtklängen, Computern, Schrottplätzen, Vögeln, Turbinen, Orchestern, Ozeandampfern, Musikmaschinen ...

Heinke ist Förderpreisträger der Stadt Dresden.

Demian Kappenstein hat an der Dresdner Musikhochschule bei Baby Sommer und Eric Schaefer Jazzschlagzeug, freie Improvisation und zeitgenössische Musik studiert. In der Jazzreihe ‹Feature Ring› im Europäischen Zentrum der Künste HELLERAU bringt er seit 2007 beeindruckende nationale und internationale Künstler nach Dresden, welche er mit seinem Trio begleitet. Kappenstein gewann mit seinem Ensemble Masaa den Bremer Jazzpreis, den Weltmusikpreis RUTH und den Preis der deutschen Schallplattenkritik. Mit dem Duo Ätna ist er seit 2019 international erfolgreich unterwegs. In seinen Konzerten für Soloschlagzeug arbeitet er an der Verbindung elektronischer und akustischer Musik und deren visueller Wahrnehmung.

Gemeinsam verflechten die beiden außergewöhnlichen Musiker sphärische Klänge mit geheimnisvollen, brüchigen Grooves in Zwiegesprächen mit Tiefe und Kraft.

Das isländische Gesamtkunstwerk mit seiner magischen Mischung aus Beschwörungstanz und Naturereignis … und einem neuen Album!

Es gibt Bands, bei denen jedes Album ein neuer Schritt ins Ungewisse ist, und andere, deren Entwicklung die ebenso zuverlässige wie über lange Zeiträume konsequente Ausweitung ihres Terrains beschreibt. Zu letzteren gehört das isländische Musikerkollektiv ADHD. Seine Konzerte lassen sich mit herkömmlichen musikalischen Parametern kaum beschreiben. Ein Auftritt der vier Wikinger ist immer ein allumfassendes Ritual, eine magische Mischung aus Beschwörungstanz und Naturereignis. Wenn Keyboarder Thómas Jónsson, Gitarrist und Bassist Ómar Gudjonsson, Saxofonist Óskar Gudjonsson und Schlagzeuger Magnús Trygvason Eliassen gemeinsam auf der Bühne stehen, erhält der normalsterbliche Mitteleuropäer zumindest eine vage Ahnung davon, wie das Inselvolk im hohen Norden über all die Jahrhunderte ihre langen, kalten Winter überstehen konnte. Sie produzieren ihre Energie einfach selbst. Dieser hemmungslose Strom menschlicher Schwingungen, der sich über alle Genregrenzen hinwegsetzt und den Jazzhörer ebenso in seinen Bann zieht wie den Rock-Fan und den Raver, folgt einem uralten menschlichen Trieb, dessen nonverbaler Impuls älter ist als alle Sprachen und trotzdem ganz und gar in der Gegenwart verortet ist. Die Weite des Kosmos und die beidseitige Unendlichkeit der Zeit kulminieren in diesem Happening der totalen Musik genauso wie die abgrundtiefe Mystik der freien Imagination und die schonungslose Konfrontation mit den Brennpunkten des aktuellen Zeitgeschehens. Das Gesamtkunstwerk ADHD lässt sich nicht in Worte fassen. Diese unvergleichliche Zeitlosigkeit im Hier und Jetzt kann man nur selbst erleben.
Im Gepäck hat die Band ihr neues Album "ADHD 7".



eXma verlost 2x2 Freikarten für dieses Event, einfach eine E-mail mit Betreff "ADHD" und als Inhalt euren bürgerlichen Namen an freikarten@exmatrikulationsamt.de schicken und mit etwas Glück gewinnen! Gewinner werden einen Tag vor der Veranstaltung per E-mail benachrichtigt.
Hinweise zu Verlosungen Rechtsweg ausgeschlossen, Mitarbeiter des Veranstalters und des Studentenforum Dresden e.V. dürfen nicht teilnehmen.

Die neunköpfige Live-Sensation aus Holland mit ihrer "explosive dance music"

Vor knapp zehn Jahren kamen neun Freunde aus Amsterdam zusammen, um aus ihren höchst unterschiedlichen musikalischen Interessen und Einflüssen ein Kollektiv zu formen, dessen sich ständig wandelnder Sound so verblüffend wie mitreißend ist. In der Musik von JUNGLE BY NIGHT treffen westafrikanischer Funk auf äthiopischen Jazz, türkische Psychedelic-Sounds auf Dub und Hip-Hop-Beats, High Life auf Afrobeat. Sie selbst nennen ihren atemberaubenden Stilmix "explosive dance music". Was tatsächlich irgendwie die perfekte Beschreibung von dem ist, was diese jungen Holländer da entfesseln. Die Begeisterung, die die Band bei ihren Live-Shows auslöste, verschaffte ihnen Auftritte auf Festivals rund um den Erdball. Dabei spielte es keine Rolle, ob sich das Festival an den Trends der Musikwelt orientierte, elektronische Musik in den Vordergrund stellte oder sich dem Rock verschrieben hatte. Zu ihren Stationen zählten in der Vergangenheit etwa Lowland, Fuji Rock und Sziget, North Sea Jazz, Jazz a Vienne und Montreal Jazz – und überall wurden sie gefeiert. Die Band zelebriert den unendlichen Raum der musikalischen Möglichkeiten und hat sich längst die Anerkennung der ganz Großen verdient. Ebo Taylor, Mulatu Astatke und Seun Kuti zählen zu ihren Fans, und von New York über Istanbul bis Tokio bringen Jungle by Night die Tanzsäle und Festivals dieser Welt regelmäßig zum Kochen. Auf ihrem kürzlich erschienenen fünften Album "Livingstone" erweitern sie ihr faszinierendes Klangspektrum um Krautrock und elektronische Sounds, und es ist sicher kein Zufall, dass die Platte auf dem einflussreichen House-Label Rush Hour erschienen ist. Dass Jungle by Night sich darüber hinaus vortrefflich darauf verstehen, in ihren wirbelnden Live-Shows eine ganz besondere Verbindung zu ihrem Publikum herzustellen, werden sie nun auch in der Tonne unter Beweis stellen.



eXma verlost 2x2 Freikarten für dieses Event, einfach eine E-mail mit Betreff "Jungle by Night" und als Inhalt euren bürgerlichen Namen an freikarten@exmatrikulationsamt.de schicken und mit etwas Glück gewinnen! Gewinner werden einen Tag vor der Veranstaltung per E-mail benachrichtigt.
Hinweise zu Verlosungen Rechtsweg ausgeschlossen, Mitarbeiter des Veranstalters und des Studentenforum Dresden e.V. dürfen nicht teilnehmen.

Die israelische Reinkarnation von Amy Winehouse

Jazz aus Israel steht hoch im Kurs und ist mehr als einfach nur Jazz. Wie üblich geben auch hier die Musikerinnen und Musiker dem Sound noch etwas israelische Würze bei, mischen etwas aus ganz unterschiedlichen musikalischen Heimaten und kreieren etwas Neues – im Fall von MICHAL SHAPIRA, etwas sehr Zauberhaftes. Inzwischen ist Jazz aus Israel weit über die Landesgrenzen hinaus bekannt, sein einzigartiger Sound international gefragt und der erste Auftritt der Sängerin bei der Jazzahead in Bremen 2018 war ein voller Erfolg.
Michal Shapira ist in Israel bestens bekannt. Die Musikerin und Schauspielerin steht seit vielen Jahren in Israel auf den Bühnen und tourte darüber hinaus mit verschiedenen Künstlern und als Sängerin in verschiedenen Bands auch international. Sie war u.a. mit dem Electro-Jazz-Ensemble „Oppenheim“ unterwegs.
2016 trat Michal in der größten Musik-TV-Show Israels, „The Next Star“, auf. Obwohl sie dort großen Erfolg hatte, entschied sie sich letztlich ihre Kandidatur zurückzuziehen, um Zeit in ihr Debütalbum und ihr Projekt „Amy“ investieren zu können.
Mit dem Programm „When Michal met Amy“ präsentiert Michal Shapira eine sehr persönliche Auswahl an Songs von Amy Winehouse – quer durch deren Repertoire. Sie singt, nur mit dem Piano begleitet, und zieht ihre Zuhörer binnen kürzester Zeit in ihren Bann – man weiß manchmal nicht mehr, ob dort Amy oder Michal auf der Bühne steht, denn beide Frauen scheinen zu verschmelzen. Natürlich reichert Michal die Songs mit Geschichten über die große Sängerin an, zeigt uns Verbindungen zwischen ihrer eigenen und Amys Biografie und nimmt uns auf eine sehr persönliche Reise mit. Dabei bezieht sie auch das Publikum mit ein und kommt im Laufe des Konzerts in den direkten Austausch mit ihren Konzertbesuchern. Ein spannendes emotionales Programm, das nun erstmals in Deutschland auf die Bühne kommt und bei dem kein Abend dem anderen gleicht.

Das wohl wandlungsreichste und witzigste Musikergespann aus NYC spielt mit seinen Gästen wahrscheinlich auch Jazz

Fast 20 Europatourneen seit 2007 und über 20 Albumveröffentlichungen seit 2005: das New Yorker Duo TALIBAM! ist eine der kreativsten und ungewöhnlichsten Formationen, die man derzeit auf Jazz¬¬-, Rock-, Punk-, Underground- und diversen anderen Bühnen erleben kann. Genres existieren für Frickel-Keyboarder/Keytarist Matt Mottel (Awesome Color, Akron/Family, Shadow Maps) und Volldampf-Drummer Kevin Shea (Mostly Other People Do The Killing, Coptic Light) praktisch nicht.
Experimental-Jazz-Rock irgendwo im Grenzbereich von Post-Prog Funk und Free Noise Polka. Gern erweitern Shea und Mottel ihr Line-Up um Mitglieder der ersten Garde der New Yorker Improvisationsszene, so dass neben vielen anderen auch Trompeter Peter Evans, Bassist Moppa Elliott und der Saxofonist Jon Irabagon (beide ebenfalls MOPDTK) schon zur Band gehörten.
Diesmal begegnen sie den Berlinern SILKE EBERHARD und NIKOLAUS NEUSER, die seit mehr als 15 Jahren in unterschiedlichen Kontexten zusammen arbeiten und sich dabei mit Werken von Kurt Schwitters, Giaccinto Scelsi, Eric Dolphy und Charles Mingus auseinandergesetzt haben.
Das anarchistisch, hyperaktiv und extrem intensiv aufspielende Quartett wendet sich mit seiner überwältigenden Klangwand keinesfalls an eine kleine Gruppe avantgardistischer “Kenner”, sondern beglückt mit seiner ebenso wuchtigen wie witzigen Show alle begeisterungsfähigen Freunde ausgefallener Musik jenseits üblicher Pfade.



eXma verlost 1x2 Freikarten für dieses Event, einfach eine E-mail mit Betreff "Talibam" und als Inhalt euren bürgerlichen Namen an freikarten@exmatrikulationsamt.de schicken und mit etwas Glück gewinnen! Gewinner werden einen Tag vor der Veranstaltung per E-mail benachrichtigt.
Hinweise zu Verlosungen Rechtsweg ausgeschlossen, Mitarbeiter des Veranstalters und des Studentenforum Dresden e.V. dürfen nicht teilnehmen.

Atmosphärisch und druckvoll zugleich – eine sensationelle Band

Die Italiener, die 2001 als Klaviertrio begannen und vor einiger Zeit zum Quartett angewachsen sind, haben sich inzwischen zu einem der aufsehenerregendsten Acts der Electro-Jazz-Szene entwickelt. CHAT NOIR veröffentlichen im März 2019 ihr neues, schon siebtes Album "Hyperuranion" (darauf bei vier Stücken als special guest: Nils Petter Molvaer) und dieses ist sensationell: Druckvoll kommt es daher wie eine Gewitterfront. Es blitzt und donnert und die Stille im Auge des Orkan, bei der die Atmosphäre zittert, ist nur die Ruhe vor dem nächsten explosiven Tornado.
Der Jazz ist nach wie vor tief in der DNA der Band eingegraben, so faszinierend mutiert diese Gene auch sein mögen. Ideen der elektronischen Musik aber gewannen in der Entwicklung des Quartetts immer mehr an Einfluss. Die einzigen Vergleiche, die dem jetzigen Stil nah kommen, sind die mit erfinderischen Electronica-Experimentalisten, für die Progressive Jazz ein Element in einem berauschenden Mix ist. Künstler wie Flying Lotus, Tortoise, Nerve oder Jaga Jazzist bieten sich an.
Chat Noir sind ganz weit oben angelangt mit ihrer aktuellen Musik.