Jazz als einzige Genrezuschreibung, um sich der Musik von FAZER zu nähern, reicht nicht aus. Die Ästhetik der Münchner Band ist von unterschiedlichsten Einflüssen geprägt. Diese reichen von der experimentellen Popmusik von Talk Talk über den Afrobeat eines Fela Kuti, den Krautrock von Can bis hin zum Dub-Techno von Rhythm & Sound. Gerade letztere waren sehr wichtig für die Genese von Fazer, klanglich, aber auch stilistisch. Das kann man auch auf dem neuen Album ›Plex‹ (City Slang) und bei der dazugehörigen Tournee im Frühjahr 2022 nachempfinden: Jedes Instrument kommt individuell zu seiner Geltung und zugleich existiert ein organisch fließender Gesamtsound.

Dass die Musik von Fazer nicht kausal dem einen Ort und Sound zuzuordnen ist, ist nicht zuletzt der besonderen Bandkonstellation mit zwei Schlagzeugern zu verdanken, die sich viel mit Musik aus Regionen beschäftigen, wo Rhythmus und auch Polyrhythmik eine größere Bedeutung hat als in Europa. Für die Band ein endloses Lernreservoir und Stimulation dazu, Jazz als großen Möglichkeitsraum zu definieren.

Live haben FAZER den Anspruch die im Studio entstandene Musik auf ein neues Level zu bringen. So erwachsen aus der Energie des Moments Improvisationen von Strahlkraft und auf Rhythmen, die zum Tanz drängen, folgen Stücke von intimer Euphorie.

Psychedelic Free Funk mit Jaimie Branch & Jason Nazary

ANTELOPER ist das elektrisierende Geisteskind von Jaimie Branch – wir kennen sie mit ihrer Band Fly or Die – und Jason Nazary – er wiederum war in der Tonne bereits zu hören mit Little Women. Branch und Nazary spielen als Trompeterin und Schlagzeuger zusammen, seit sie sich 2002 am New England Conservatory of Music trafen. Jugendfreunde sozusagen.

Im vorliegenden Duo sind sie jedoch nicht nur an ihren angestammten Instrumenten zu hören, beide arbeiten zudem an Keyboards und Synthesizern. Das Ergebnis mit seinen pumpenden Beats, nervösen Passagen und geloopten Phrasen klingt wie experimenteller, komplett improvisierter Techno-Free-Jazz. Doch wenn Branchs oft gedämpftes Trompetenspiel mal flehend, mal fordernd kämpferisch tönt, dann bekommt die Musik eine melodische Wärme, lässt Zeit und Raum auflösen. Wenn einem dabei Miles Davis in den Kopf kommt, findet dies eine Erklärung darin, dass dieses Duo mit seinem psychedelischen Free Funk und gebrochenen Rhythmen dort weitermacht, wo Miles nach Alben wie Dark Magus seine Sound-Erkundungen in den mittleren 1970ern abbrach. Anteloper sind die erfinderischen, originellen, modernen Nachfahren. Bewusstseinserweiternde Musik fürs Hier und Jetzt, die in die Zukunft weist und im Takt ins Morgen schreitet.

Was beim kanadischen Label Constellation Records erscheint, ist keine alltägliche Musik, sondern stets sehr besonders und höchst spannend. Auch „The Turning Centre Of A Still World“, das neue Album des Saxofonisten JASON SHARP, ist in äußerstem Maße besonders. Seine Musik entsteht – auch live – mit Saxofonen und fußgesteuerten Basspedalen – und seinem eigenen Puls. Dieser wird gepatcht durch einen Herzmonitor und auf verschlungenen Signalwegen an Synthesizer und Sampler geschickt. Sharps Herzschlag ist immer der Kern der Kompositionen, und obwohl er nur gelegentlich als klar erkennbarer Puls oder Rhythmus auftaucht, bestimmt er vollständig die Musik, indem er alle digitalen Prozesse speist und steuert.

Melodisch und harmonisch schifft Sharp so durch sich ständig wandelnde, rauschende Meere, durch Zyklen von Morgendämmerung bis Abendrot, durch eine akustische Welt, in der ruhige Oberflächen immer wieder von tiefen, unaufhaltsamen Wirbeln aufgewühlt werden. Jason Sharp ist ein Meister im Umgang mit mystischen Atmosphären und mehrschichtigen Soundscapes und lenkt und leitet mit seinem Saxofon durch diesen wogenden Strom von herz- und handgemachten Tönen und synthetischen Flächen. Sharp liefert mit den Stücken von "The Turning Centre of a Still World" ein ebenso grandioses wie intensives Beispiel für ein erhabenes Miteinander von Mensch und Maschine in Form von faszinierender Musik. Hinzu kommt deren Visualisierung durch Videos des experimentellen Independent-Filmemachers Guillaume Vallée, die dem beeindruckenden Live-Erlebnis zusätzlichen Reiz verschafft.

"Was der aus Nizza stammende Pariser dem Knopfakkordeon und der Akkordina entlockt, hat man so noch nicht gehört. Da spielt eine kommende Größe!“, schwärmte die Süddeutsche Zeitung bereits 2013. Inzwischen ist die Größe von VINCENT PEIRANI längst europaweit mehr als anerkannt – er gehört zu den bekanntesten Musikern Frankreichs.
Nach zahlreichen Kollaborationen im Duo-Format, u.a. mit Émile Parisien und Michael Wollny oder seinem Quintett Living Being wendet Peirani sich einer neuen musikalischen Ausdrucksform zu. Gemeinsam mit dem italienischen Gitarristen Federico Casagrande und dem israelischen Drummer Ziv Ravitz tritt Peirani unter dem Namen JOKERS auf.
Ob Solist, Rhythmiker, Akzentuierer, Farbgeber oder vieles mehr: Die Idee hinter dieser neuen Besetzung ist das spontane Wechselspiel der musikalischen Rollen untereinander. Jedes der drei Mitglieder kann die Rolle der anderen übernehmen und so der musikalischen Richtung jederzeit eine unerwartete Wendung geben. Selbst die persönlichen Eigenarten jedes Einzelnen erhalten hier eine herausragende Stellung, da genau diese besondere "Chemie" im Zusammenspiel jeden Auftritt zu einem einzigartigen und spannenden Erlebnis werden lässt.
Insofern ist es nicht weiter verwunderlich, dass die Wahl des Bandnamens mit Jokers hier weniger in der Bedeutung als fiktionaler Bösewicht amerikanischer Comics, sondern vielmehr als Spielkarte, die nicht nur jede andere ersetzen, sondern gleichzeitig auch als höchster Trumpf eingesetzt werden kann, ziemlich treffend gewählt ist.

Mit ihrer Band Snarky Puppy haben der Drummer Robert Sput Searight und der Perkussionist Nate Werth neue rhythmische Standards gesetzt und Grammys en masse gesammelt. Für ihre zweite Band GHOST-NOTE haben sie ein kunterbuntes Kollektiv mit einstigen Musik-Wunderkindern und Virtuosen um sich geschart. Die spielten und spielen unter anderem für Prince, Kendrick Lamar, Snoop Dogg oder Herbie Hancock und so hört es sich auch an. Mit einem Mix aus hoch-eruptivem Funk, Soul-Power, frischem Jazz und Afrobeats jagt die Band von einem Höhepunkt zum anderen, überrollt das Publikum mit einem gewaltigen Funk-Laster, reißt es mit, wirbelt es mit Jazzsequenzen, zackigen Bläsersätzen, fiebrigen Saxofon-Soli und fulminanter Perkussion durch den Raum, entfesselt eine Hölle von Groove und zündet mit all dem eine gewaltige Sound-Explosion. Abrupte Wendungen, Break-Irrwitzeleien, Unisono-Feuerwerke, Brecker Brothers auf Speed – ein Live-Fest der Musik, bei dem kein Auge trocken bleibt.

Seit mehreren Jahren ist das junge Quintett chuffDRONE bereits mitten drin im Kreis der experimentierfreudigen österreichischen Jazzszene und hat mit Auftritten bei renommierten Jazzfestivals im In- und Ausland auf sich aufmerksam gemacht (Moers-Festival, Jazzfestival Buenos Aires, 12 Points Festival Aarhus, Jazzfestival Saalfelden u.a.).

Die Band bündelt fünf musikalische Persönlichkeiten, jede mit einem eigenständigen Zugang zum Jazz – fünf wache Teamplayer, die sich mit voller Intensität aufeinander einlassen.

So intelligent wie intuitiv schaffen sie in ihren Kompositionen wohldosierte Ventile für unkontrollierte Ausbrüche, rhythmisieren die Ekstase und orchestrieren die Stille.

chuffDRONE vereint Energie und Poesie, Übermut und Perfektion.

Auf die Kraft des Kollektivs vertrauend, verschwinden die Grenzen von Komponiertem und Improvisiertem, verschmelzen die verschiedenen Instrumente zu einem pulsierenden, energetisch aufgeladenen Klangkomplex, dessen Anziehungskraft man sich kaum entziehen kann.

Als Elfjährige begann die im niederländischen Heerenveen geborene TINEKE POSTMA mit dem Saxofonspiel, schon drei Jahre später stand sie mit Candy Dulfer auf der Bühne. In ihrer erfolgreichen Karriere stand sie schon an der Seite von Legenden wie Herbie Hancock und Wayne Shorter und zählt sehr folgerichtig zu den international profiliertesten Künstlerinnen der Niederlande.
Postma spielt energiegeladenen, modernen Jazz – beeinflusst von Vorbildern wie Wayne Shorter, Cannonball Adderly, John Coltrane oder Miles Davis, ohne dabei jedoch ihre eigene Kreativität zu verleugnen. Das kommt an – bei Publikum wie Kritikern gleichermaßen, so gewann sie mehrere niederländische Jazzpreise, außerdem den MIDEM International Jazz Revelation of the Year Award und den Antibes de Jazz Juan Revelations Award 2009.
Mit ihren verschiedenen musikalischen Projekten ist sie weltweit unterwegs und gern gesehener Gast bei den großen Jazz-Festivals (z. B. North Sea Jazz Festival, Trondheim Jazz Festival, Jakarta Jazz Festival). Postma gilt als eine der produktivsten Musikerinnen der niederländischen Jazz-Szene, sieben Alben hat sie bis dato veröffentlicht. Das jüngste – „Freya“, im März letzten Jahres erschienen – hat sie jetzt im Gepäck.

Das Album markiert ihr Comeback als Ideengeberin, es ist das erste Werk nach der Geburt ihres Sohnes vor sieben Jahren. Ein markanter Einschnitt, den Postma selbst als neuen Kreativitätsschub sieht, „die Gelegenheit, mit mehr Tiefe und Dringlichkeit zu spielen“. Die technische Finesse tritt mehr in den Hintergrund, die Spontanität, die Improvisation wird in den Fokus gerückt. Namensgeberin ist die nordische Göttin der Liebe und der Fruchtbarkeit, eine direkte Verbindung zu Postmas friesischen Wurzeln. Daneben zollt sie den starken Frauen in ihrem Leben Tribut.

Der bestgekleidete Saxofonist der Gegenwart trägt einen coolen Reißverschlußanzug mit Leopardenmuster, über den Kopf hat er eine Fellmütze mit Hasenohren gezogen. Er sieht sehr gut aus in seinem Video, mit dem glitzernden Instrument, das er in der Hand hält, die großen Kinderaugen auf die Kamera gerichtet. ALABASTER DePLUME, so der stage name des Musikers und Spoken-Word-Entertainers, hat eine universelle Botschaft auf den Lippen, die nur geflüstert ihre volle Wirkung entfalten kann: »Be nice to people«.

Der aus Manchester stammende Sänger, Komponist und Saxofonist gibt gerne Instruktionen, was ja auch nerven könnte. Aber nicht bei ihm, denn DePlume trägt sie mit dezentem britischem Humor vor und außerdem lässt man sich doch in Zeiten, in denen die Gefahr noch größer wird, Fremden mit Skepsis und Angst zu begegnen, auch gerne von Musik an Umgangsformen erinnern. DePlume findet, dass man sogar zu gierigen und hasserfüllten Menschen nett sein sollte, nicht etwa, weil man sich damit besser oder schlauer fühlt, oder weil man so irgendeinem Mann im Himmel gefallen will, sondern: »because it passes the time« - weil sich damit die Zeit herumbringen lässt.

Auf seinem Album »To Cy & Lee: Instrumentals Vol. 1« von 2020 hört man den sympathischen Kauz mit wunderbar entspannter Instrumentalmusik irgendwo zwischen Jazz, Ambient, Meditation und Folk. DePlume hält sein Saxofon beim Spielen schief vors Mikro und bläst so zittrig ins Mundstück hinein, dass man es sofort nicht für einen Fehler hält, sondern für eine Feier des Lebens. Allüberall wird auch das Album gefeiert, wobei man hier ausnahmsweise auch mal zitieren darf, was sein Label International Anthem schreibt: Die Musik sei ein »akustisches Stärkungsmittel für unruhige Zeiten« und habe »geheime magische Heilkräfte«. Ersteres stimmt auf jeden Fall, letzteres würde man gern hoffen.
Aber der Poet und Musiker Alabaster DePlume versteht es eben, Worte gleichermaßen gekonnt einzusetzen wie die harmonischen Melodien seines Saxofons. Was er durchaus auch zu heftigeren Klängen einzusetzen weiß, wie sein bitterböser Song »I Was Gonna Fight Fascism« mit Soccer96 zeigt, dem Synthesizer/Drums-Duo von Danalogue und Betamax, die ansonsten mit Shabaka Hutchings als The Comet Is Coming durch den Space-Jazz-Kosmos fliegen.
Wie schrieb ZEIT online so schön: »Man muss sich auch gar nicht entscheiden, wer oder was dieser Alabaster De Plume ist: ein Jazz-Träumer mit rot lackierten Fingernägeln und viel Geklunker um den Hals, ein vom Humanismus Beseelter, ein philosophisch inspirierter Komiker oder doch eher der Vorsprecher einer wachsenden Kohorte von Sehnsüchtigen, die sich im Verbund das Herz erwärmen wollen? Im Zweifelsfall alles auf einmal.«

Musik aus der Ukraine – Musik für die Ukraine

Aus gegebenem Anlass setzen sich in der 86. VOCAL NIGHT die Sängerinnen und Sänger der Jazzabteilung der Hochschule für Musik Dresden unter der Leitung von Prof. Daniel Mattar mit der ukrainischen Kultur auseinander. Sie präsentieren die wunderbare und vielfältige Volksliedkultur des Landes – wunderschöne fremdartige Melodien und Geschichten voller ungeahnter Schönheit. Dafür haben sie jazzige Arrangements von traditionellen Stücken aus den unterschiedlichsten Regionen der Ukraine geschrieben.
Die ukrainische Musikjournalistin Olga Kovalevska wird durch den Abend führen und als Gastsängerin wird Viktoria Leléka mitwirken.

Wir teilen die tiefe Bestürzung, die der aggressive kriegerische Überfall Russlands auf die Ukraine ausgelöst hat und stehen in Solidarität zu allen in der Ukraine verbleibenden Menschen und zu denjenigen, die aus ihrer Heimat flüchten mussten.
Um sie zu unterstützen, sammeln wir am Konzertabend Spenden, die wir zusammen mit den Eintrittseinnahmen anschließend zu 100% an die "Aktion Deutschland Hilft" übergeben, deren Bündnisorganisationen vor Ort sind, um das Leid der Menschen zu lindern. Sie helfen dort mit Nahrungsmitteln, Trinkwasser und medizinischer Hilfe.
Wer nicht an der Veranstaltung teilnehmen kann, aber dennoch die Spendenaktion unterstützen möchte, kann dies auch hier über den Link zu Aktion Deutschland Hilft/Ukraine-Nothilfe tun.


Tickets ab 15 EUR (bitte verbindlich reservieren)

Das norwegische Jazz-Rock-Power-Quartett RED KITE entfacht einen musikalischen Tornado aus wirbelnden Psychedelia, Heavy-Rock-Crunch, Prog-Virtuosität und Free-Jazz-Experimenten. Die elektrisierende norwegische Supergroup besteht aus Mitgliedern einiger der bekanntesten Prog-Outfits Norwegens, darunter Elephant9, Shining, Bushman's Revenge und Grand General.
Die vier Musiker fegen mit gewagten Improvisationen und heftiger Hardrock-Intensität durch ihre komplexe Progressive Jazz-Architektur.
"Wir sind alle mit Rock und schwerer Musik aufgewachsen", sagt Torstein Lofthus, "aber später entdeckten wir Jazz, Prog und alle möglichen anderen großartigen Sachen auf dem Weg. Für uns ist alles nur Musik, bis zu dem Punkt, an dem jetzt alles zu einem großen Bio-Eintopf verschmilzt."
Dieser Eintopf bietet dem Zuhörer einen brodelnden Kessel mit schweren Sounds, bei dem Bass und Schlagzeug einen stetigen Beat hämmern, während Gitarre und Keyboards einen atemberaubenden Hexenzauber aus Melodien und Drones heraufbeschwören, die Engel und Dämonen gleichzeitig anzurufen scheinen. Das orientiert sich gleichermaßen an Ornette Coleman und Black Sabbath und verbindet die Komplexität des Avantgarde-Jazz mit der Unmittelbarkeit von Heavy Metal und völlig zu Recht sah allaboutjazz.com in der Band mit ihrer massiven, Trance erzeugenden Musik "eine Art Gothic Mahavishnu Orchestra für das 21. Jahrhundert".

Vom Rolling Stone als „ein Genre für sich“ gefeiert, ist die Komponistin und Gitarristin KAKI KING eine wahre Bilderstürmerin, eine der größten Gitarre-Innovatorinnen unserer Zeit.
Kaki King ist bekannt für ihre perkussiven und jazzigen Melodien, energiegeladenen Live-Shows, die Verwendung mehrerer Stimmungen auf Akustik- und Lap-Steel-Gitarre und für ihre enorme Bandbreite in verschiedenen Genres. In den letzten 10 Jahren hat die in Brooklyn lebende Künstlerin sechs außerordentlich vielfältige und unverwechselbare Alben veröffentlicht und mit Ikonen wie Foo Fighters und Timbaland gespielt. Von 2015 bis 2019 war „The Neck is a Bridge to the Body“ Kaki Kings bislang abenteuerlichstes Album und zugleich ihr produktivstes Tourprojekt – ein provokantes und wunderschönes Werk, bei dem visuelle Kunst direkt auf ihre Gitarre projiziert wurde. Sie hat das Publikum weltweit auf unzähligen Welttourneen berührt und an so unterschiedlichen Orten gespielt wie Sydney Opera House, Kennedy Center New York, MASS MoCA und MOMA, sowie auf Festivals wie North Sea Jazz, Mosaic Festival Singapur, Japans Fuji Rock Festival oder dem Festival of Arts & Ideas.
Jetzt präsentiert Kaki King mit "Modern Yesterdays" die Fortsetzung des mit "The Neck …" Begonnenen: sie verfeinert ihre sensationelle Gitarren-Projektions-Mapping-Performance. Mit Technicolor-Fantasie, technischer Zauberei und sorgfältig choreografiertem Gitarre- und Schlagzeugspiel tut sie "jedes Mal das Unerwartete" (Digital Trends). "Modern Yesterdays" verbindet das, was die Fans an Kaki Kings unübertroffenen Multimedia-Performances und ihrem herausragenden Gitarrenkünsten lieben gelernt haben.

Mit ihren seit 2012 veröffentlichten Alben markiert die griechische (Film-)Komponistin und Pianistin TANIA GIANNOULI aus Athen einen bemerkenswerten Aktionsradius. 2012 debütierte sie mit "Forest Stories" beim neuseeländischen Label Rattle Records in einem Duo mit dem portugiesischen Saxofonisten Paulo Chagas. Ihren internationalen Durchbruch feierte sie mit "Transcendence" (2015), einem exzellent besetzten kammermusikalischen Quintett. Hohe Wellen schlug auch „Rewa“ (2018): gänzlich improvisierte Musik zusammen mit dem neuseeländischen Maori-Musiker Rob Thorne und subtiler Elektronik von Steve Garden. Mangelnde Vielseitigkeit konnte man ihr schon zu diesem Zeitpunkt nicht mehr vorwerfen. In den verdienten Blickpunkt kam Giannouli hierzulande durch ihren sensationellen Auftritt beim Jazzfest Berlin 2018, den die Jazzthetik als bestes Konzert des Festivals empfand. Fast noch enthusiastischer gefeiert wurden ihre Konzerte beim Enjoy Jazz Festival – mit dem Vokalprojekt "The Book of Lost Songs" sowie solo (beide 2020) und mit ihrem Trio im Oktober 2021. Folgerichtig war sie 2021 neben Shai Maestro und Tigran Hamasyan für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie "Piano/Keyboards International" nominiert.

Wem es schon vergönnt war, Tania Giannouli mit einem ihrer vielen und durchaus unterschiedlichen Projekte live zu erleben, versteht die anschließenden Schwärmereien der Kritik nur zu gut. Das Überraschungsmoment, mit dem sie zu punkten versteht, verdankt sich auch der Tatsache, dass die griechische Musikszene bestenfalls peripher in den Blick gerät. Das aktuelle TANIA GIANNOULI TRIO wartet erneut mit einer ebenso ungewöhnlichen wie spannenden Besetzung auf: neben der Pianistin sind hier Griechenlands führender Jazztrompeter Andreas Polyzogopoulos und der aus diversen ECM-Alben bekannte Oud-Spieler Kyriakos Tapakis zu erleben. Die Energie, die Intensität, die Vielfalt, das hohe technische Niveau der Bandchefin und ihrer Mitmusiker lassen Tania Giannoulis Kompositionen zu seltenen Perlen werden, die in seelenvollen Melodien eine wunderbare Brücke spannen zwischen Jazz und folkloristischen Klängen des Mittelmeerraums, zwischen Orient und Okzident.

MC, Sänger, Drummer, Produzent und Netzwerker – man darf KASSA OVERALL fast einen Renaissance-Künstler nennen, im weiten Feld des neuen Jazz nimmt er die Position eines Verbindungsmannes zwischen Avantgarde und der Riege der coolen Produzenten ein. Er kommt aus der Abteilung der unerschöpflichen New Yorker Jazzszene, die unverzagt progressive Experimente mit Hip-Hop-Techniken verbindet. So geht es bei ihm auch stets in unerforschtes musikalisches Terrain mit einem Panorama von West Coast G-Funk bis zu New Yorker Underground-Sound-Reflexionen.

In den letzten Jahren hat Overall vier von der Kritik in höchstem Maße gefeierte Alben veröffentlicht: "Go Get Ice Cream and Listen to Jazz" (2019), "I Think I'm Good" (2020) und danach "Shades of Flu" (2020) und "Shades of Flu 2" (2021), zwei Quarantäne-Mixtapes, die inspiriert waren von Madlibs "Shades of Blue". Unabhängig von allen Experimenten und Hip-Hop-Elementen bewegt sich Kassa Overall stets sattelfest in der Jazz-Tradition seiner Mentoren Elvin Jones und Billy Hart, bei denen er am Oberlin Musikkonservatorium studierte.

Insgesamt ist er bereits seit zwei Jahrzehnten unterwegs auf Clubbühnen und Festival, produzierte aber auch als Schlagzeuger mit Künstlern wie Geri Allen, Steve Coleman, Francis and the Lights und den Größen Yoko Ono, Peter Evans und Gary Bartz.

Musik, die auf Nik Bärtschs Label ‚Ronin Rhythm Records‘ erscheint, verspricht nicht nur außergewöhnliche Klangerlebnisse, sondern löst dieses Versprechen dann auch sofort und konsequent ein. Eines der besten Beispiele dafür ist das KALI TRIO, das mit “Loom” 2021 sein zweites Album dort veröffentlichte.
Diese Band ist wie ein Organismus und Assoziationen zur indischen Göttin des Todes und der Zerstörung finden sich bei KALI Trio höchstens noch in der Ekstase. Die entsteht nämlich beim Hören ihrer Musik mit ziemlicher Gewissheit. Die drei Schweizer vereinen präparierte Klaviersounds, Effekt-genährte Gitarrenklänge und Minimal-Drumbeats zu einem modernen, radikalen Post-Genre-Stil, der vom Jazz- bis zum Technoclub überall stattfinden könnte, und eine ungemeine Sogwirkung besitzt. Aufs Engste verwoben und durch das Verwenden subtiler Wiederholungen und ausgedehnter Zeitspannen entwickeln sie die reinste Trance-Musik.

Präzise Überlagerungen, klar gespielte Patterns, vielseitige Sounds sowie Effekte, und eine ureigene Klangkraft sprechen dabei von höchster Handwerkskunst. Die drei Musiker kombinieren die dezente Rhythmik eines Burnt Friedman mit der fragilen Tiefenentspannung von Apparat und der Tiefe von Bohren & der Club Of Gore.
Auf die Frage nach der Umschreibung ihrer Musik antworteten KALI Trio einst: "Irgendwo zwischen der Prosa von T.C. Boyle und den Traumbildern von Tarkowski." Das macht Sinn: Einerseits ist "Loom" ausgefeilt und absurd zugleich geworden. Andererseits steckt in diesem Album eine spirituell-sphärische Tiefe, die nicht mehr kategorisiert werden kann. Und um Musikstile geht’s hier sowieso schon lange nicht mehr. Willkommen im Zeitalter des Post-Genres!

"Remember the name Lucia Cadotsch – you’re going to be hearing a lot of it!", schrieb der britische "Guardian" schon 2016 über die Schweizer Sängerin, die seit einigen Jahren in Berlin lebt. Er sollte Recht behalten und 2021 erhielt Lucia Cadotsch als jüngsten von zahlreichen Awards den Deutschen Jazzpreis als beste Vokalistin.

Neben ihrem gefeierten Trio Speak Low betreibt Cadotsch mit dem Saxofonisten Wanja Slawin die nicht minder umjubelte Band LIUN + THE SCIENCE FICTION BAND: Urbane Musik mit dunklen Beats, schillernden Synths und pulsierenden Hooklines. Auf dem Debütalbum der Band "Time Rewind" von 2019 hört man Musik, die aufregend, neu und ständig in Bewegung ist. Was digital, was analog ist, führt in die Irre im musikalischen Labyrinth, aus dessen Mitte klarer Gesang dringt. Space Jazz oder Psychedelic Pop sind als ferne Archive noch hörbar, aber der Sound von LIUN + The Science Fiction Band ist so eigensinnig und betörend, wie nur die Zukunft klingen kann. Live geht die aufregende Reise auf immer neuen Wegen weiter. Und klingt so unbeschreiblich futuristisch, wie man sie hierzulande selten hört.

Aus der Mitte Europas, nämlich aus Luxemburg, stammt das Quintett der jungen Sängerin CLAIRE PARSONS, deren aktuelles Album „In Geometry“ 2021 in der „Jazz thing Next Generation“-Reihe erschien. Die Musik ist dabei alles andere als geometrisch.
Über ihre Stücke sagte Parsons: „Songs zu schreiben fällt mir leicht. Meistens beginne ich mit einer Akkordfolge, die Texte sind dann schon schwieriger. Die Melodie gibt einen Rahmen und man möchte einfach, dass der Text da reinpasst, dafür muss man ihn ziemlich zuschneiden. Manchmal ist es schwierig, die Worte so zu drehen, dass es passt. Es gibt Vokale, die am Anfang eines Satzes besonders gut klingen oder am Schluss. Dann gibt es auch noch Noten, auf denen man gerne ein ‚A‘ oder ‚E‘ haben möchte. Außerdem braucht man Worte, die schön klingen, denn manche Worte, die man schön findet, singen sich einfach nicht so gut. Was mir am Herzen liegt, ist, dass die Musik schön klingt“, gibt Parsons zu. „Das kann durchaus auch mit Elementen gelingen, die zunächst ein wenig stören. Man soll sich in meiner Musik wohlfühlen, aber eben nicht nur, es kann auch fordernd sein.“
Und so zeichnen Claire Parsons und ihre fantastische Band elegant Linien und Kurven zwischen stilistisch vermeintlich weit voneinander entfernten Punkten. Ihren souveränen, an Pop-Intimität wie an Jazz-Reibungen gleichermaßen geschulten Gesang schichtet sie per Effekt gern chorisch, so dass er fast dreidimensional klingt. Und mit ihrem exzellenten Raumgefühl weiß die luxemburgisch-britischen Künstlerin die Fülle geradezu hymnischer Momente geschickt in das rechte Verhältnis zu Augenblicken der aufgeräumten Ruhe zu setzen.

Auf Initiative des in Dresden lebenden polnischen Pianisten Mikołaj Suchanek veranstaltet der Jazzclub Tonne am Montag, den 14. März ein Benefizkonzert für die Menschen der Ukraine.
Wir teilen die tiefe Bestürzung, die der aggressive kriegerische Überfall Russlands auf die Ukraine ausgelöst hat und stehen in Solidarität zu allen in der Ukraine verbleibenden Menschen und zu denjenigen, die aus ihrer Heimat flüchten mussten.

Um sie zu unterstützen, sammeln wir am Konzertabend Spenden, die wir anschließend an die "Aktion Deutschland Hilft" überweisen, deren Bündnisorganisationen vor Ort sind, um das Leid der Menschen zu lindern. Sie helfen dort mit Nahrungsmitteln, Trinkwasser und medizinischer Hilfe.

Für den Konzertabend hat Mikołaj Suchanek ein Programm zusammengestellt, in dem ukrainische Lieder, Jazz, Klassik, Neo-Klassik und Improvisationen zu erleben sein werden.

Suchanek wird selbst im Duo mit der ukrainischen Sängerin Kateryna Kravchenko sowie mit seinem Mikołaj Suchanek Trio auftreten. Zu hören sind weiterhin der ukrainische Pianist Yaroslav Molochnyk mit einem Streichensemble, das Karoline Weidt Quartett und das Duo des russischen Saxofonisten Timur Valitov mit dem deutschen Pianisten Victor Möhmel.

Reflektierende Lichter auf warmem, regennassem Asphalt, ein Nachtfalter schwirrt um das Licht einer übergroßen Neonreklame der Indie-Diskothek COUCOU. Dumpf dringt der Bass durch die Wände und schon sind wir mittendrin in unserem ganz persönlichen Film Noir.
Mit zwei Stimmen, einer Gitarre, sowie elektronischen und perkussiven Soundelementen kreieren Meryem, Steffi und Janda von Coucou eine Stimmung, in die man sich fallen lassen möchte – wie ins Bett nach einer langen Nacht. Der Sound dieser frühen Stunde erinnert an 70’er Softrock und den Goth-Folk der Neuzeit, wie man ihn von Aldous Harding kennt. Alles ist wunderbar unaufgeregt und geht gerade deshalb so nah: zelebrierte Langsamkeit, eine kleine Reise ins Innere. Coucou ist großes Zeitlupenkino inmitten der rastlosen Moderne.

Jährlich wühlt und gräbt sich das RING TRIO für seine hochkarätige Reihe mit Kultstatus FEATURE RING durch Festivals, Radiosendungen, Musikmagazine, Freundeskreise, Verkaufscharts und inzwischen Playlists, um neben etablierten Acts vor allem Musik zu präsentieren, die bisher noch unter dem Radar läuft. Sie kann mit Klassik, Jazz, Neuer oder Alter Musik zu tun haben, wird aber spätestens auf der Bühne im Feature Ring von Genrefesseln beraubt und tritt in einen offenen und risikofreudigen Dialog mit dem Ring Trio. Eines der diesjährigen Konzerte führt die Band nun sogar in die Tonne: Demian Kappenstein hat vor mehreren Jahren mit dem allseits bekannten Saxofonisten VOLKER SCHLOTT bei der Band „Open Range“ zusammengespielt. Schlott prägte Acts wie Favo, die Fun Horns und unterstützte Maria Fantouri auf ihren Tourneen. Inzwischen ist er die „Trans-Sax“-Musikerin HOLLY SCHLOTT. Ein aufregendes Wiedersehen nach einer ereignisreichen Zeit!

Jens Düppe gilt als einer der umtriebigsten unter den kreativen Drummern unseres Landes. Man kennt ihn aus den Ensembles von Anke Helfrich oder Lars Duppler, aus dem Bodurov Trio und mit seinem eigenen Quartett.

Nun gibt es endlich auch das Soloprogramm, das er sich so lange schon vorgenommen hatte. Sensationell und einzigartig ist dieses neue Programm EGO D. Ein einzelner Performer zaubert hier mit Schlagzeug, Klavier und Synthesizer simultan fein ausbalancierte Klangwelten. Reich an Farben ist dieses Solo von Jens Düppe. Weltweite Konzertreisen und internationale Musikprojekte verarbeitet und vereint er hier persönlich und direkt, unverfälscht aus dem tiefsten Inneren und schafft eine Musik, die unmittelbar berührt. Musikalische Farben, die Begegnungen mit dem Pianisten und Elektrokünstler Dimitar Bodurov aus Bulgarien, dem klassischen Vibraphonisten Pascal Schumacher aus Luxemburg oder Eindrücke aus Orchesterprojekten mit der amerikanischen Komponistin Maria Schneider sowie dem verstorbenen deutschen Ausnahmeposaunisten Albert Mangelsdorff finden sich im Fundus des an elektronischer und klassischer Minimal Musik interessierten Jens Düppe. EGO D bildet im Solo auf der Bühne ein vollständiges Ensemble ab.

Das Schaffen von Musik hat viel mit dem Schaffen in der visuellen Kunst gemeinsam. Sowohl Musiker als auch bildende Künstler sprechen und beschäftigen sich in ihren kompositorischen Prozessen mit Farben, Farbtönen und Texturen. Der Saxofonist/Komponist TOBIAS MEINHART hat fast synästhetische Visualisierungen entwickelt, während er Musik spielt und hört. Seine neue Aufnahme THE PAINTER präsentiert seine jüngste Arbeit mit vielfältigen, brillanten Stücken, die die Leinwand der Welt erhellen sollen. Das gleichnamige Ensemble, das Meinhart dafür zusammenstellte und in dem einige der herausragenden Musiker der aktuellen New Yorker Szene zusammenkommen, bringt er nun live auf europäische Bühnen.

"Durchhaltevermögen und der kompromisslose Abschied vom einstigen Bigband-Mief katapultierte die JBBG verdientermaßen in die Oberliga großer europäischer Jazzorchester", schwärmt der Jazzthing-Autor Olaf Maikopf. "Ein Quantensprung im großorchestralen Jazz", attestiert Klaus Schulz im Jazzpodium. Zuständig für den einzigartigen Klangkörper der JAZZ BIGBAND GRAZ (jbbg) sind der österreichische Trompeter Horst-Michael Schaffer und der deutsche Saxofonist Heinrich von Kalnein. Ihre musikalischen Ideen sind es, die dem Konzept Big Band Farbtöne abtrotzt, die dieses bislang nicht malte. An den Instrumenten vereint die Jbbg einige der Topsolisten Österreichs, Deutschlands, der Slowakei, der Slowakei und der Schweiz. Mit Mike Abene (Maynard Ferguson, GRP-Bigband), Bob Brookmeyer, Bob Mintzer (Yellowjackets) und Ed Neumeister haben einige der profiliertesten Komponisten des Genres für die Jazz Bigband Graz geschrieben. Auf "Joys & Desires" (2005) gab John Hollenbeck die Richtung vor, die das Klangbild des Jazzorchesters fortan entscheidend prägte. 2008 trumpften jbbg dann mit "Electric Poetry & Lo-Fi Cookies" auf. Seitdem erforscht die eingeschworene Gemeinschaft um Schaffer/Kalnein neues musikalisches Terrain. Vergleichbare Wege wurden von einer Big Band noch nicht betreten. Seinem Ruf als Erdbeben in der Bigband-Klanglandschaft setzt das Orchester mit jeder neuen Veröffentlichung – nach "Joys" und "Electric Poetry" erschienen noch "Urban Folktales" (ACT, 2011) und "True Stories" (Natango Music, 2016) – ein nicht weniger als "grandios" zu bezeichnendes Denkmal. Während bei den Live-Darbietungen der JBBG regelmäßig der Bär tobt … "Ich sehe die Jbbg eigentlich gar nicht mehr als Big Band im herkömmlichen Sinn", meint Schaffer, "für mich ist es einfach eine größere Band als die meisten anderen. Bei so vielen guten Musikern bringt das unglaublich viele klangliche Möglichkeiten mit sich. Mich interessiert dabei, Welten zusammenzuführen". Sein Kollege von Kalnein ergänzt: "Jbbg steht für einen orchestralen Haufen, den man Big Band nennen kann, der aber auch ganz andere Freiheiten zulässt." Gil Evans hätte seine Freude gehabt.

Es ist eine außergewöhnliche Begegnung: MICHEL GODARD, einer der wohl profiliertesten europäischen Jazzmusiker unserer Tage – und Michael Praetorius, „lutherischer Klang-Performer“ an der Schwelle von der Renaissance zum Frühbarock. Was beide verbindet, das bringt Godard mit schier grenzenloser Virtuosität und Spielfreude zum Klingen und Swingen – und kreiert mit seinem Ensemble in einem Crossover aus den Standards des musikalischen Frühbarocks und der Musizierpraxis des Jazz ein faszinierendes Klangkunstwerk. Michael Praetorius (1571–1621) ist vielleicht der berühmteste Unbekannte der Musikgeschichte. Seinen Namen kennt man heute wohl vor allem durch seine Weihnachtslieder. Manch einem kommen möglicherweise auch seine großartigen Instrumenten-Schautafeln aus dem „Syntagma musicum“ in den Sinn. Doch sein vielgestaltiges Schaffen ist weit umfangreicher und erklärt, warum er für seine Zeitgenossen „der weitberühmte, kunstreiche, vortreffliche und von Gott hochbegnadete Musicus“ (so der Pfarrer und Kirchenlieddichter Michael Altenburg) war. Praetorius hielt Traditionen am Leben, blickte nach vorne, um neue Wege des Komponierens aufzutun. Michel Godard folgt ihm auf seine eigene Weise, und wer den vielseitigen Tuba- und Serpent-Virtuosen nur ein wenig kennt, der weiß, dass ihm das die Gelegenheit bietet, mit seinem frühbarocken Kollegen in einen inspirierenden Dialog zu treten, Das stellt er – nach seinen musikalischen Rendezvous mit Monteverdi und Schütz – nun in seinem neuen Programm unter Beweis.

Gerade erst 20-jährig, ist Daniel Bulatkin bereits einer der führenden Instrumentalisten des aktuellen Jazzszene in Tschechien und erhielt mehrere wichtige Preise. Trotz seiner Jugend leitet er eine internationale Band, der die Größen Tineke Postma und Justin Faulkner angehören und tourt aktiv mit weltberühmten Spielern wie Ulf Wakenius, Per Mathisen und Gergo Borlai. Mit dem Crossover-Gitarristen gründete Bulatkin die Band B/Y ORGANISM, die international große Aufmerksamkeit erhält. Zu den packenden Rhythmen von gleich zwei Schlagzeugern wechselt Bulatkin hier zwischen Piano und Orgel und Yakovlev spielt neben der Gitarre noch die Balalaika und das exotische Blasinstrument Duduk. Es entsteht eine ebenso packende wie melodische Fusionmusik, die inspiriert ist von Weltmusik, Americana, Ambient, Blues- und Jazztraditionen, aber auch den gefühlvollen Einsatz von Electronics nicht scheut und immer auf der Höhe der Zeit steht.

Das CRISTIN CLAAS TRIO berührt, begeistert und beglückt! Cristin Claas´ zauberhafte Stimme ist das Herzstück der Musik und sie erfüllt jeden Raum. Die einzigartigen Songs interpretiert sie in Englisch, Deutsch und selbst kreierter Fantasiesprache. Zusammen mit dem Gitarristen Stephan Bormann und dem Pianisten Christoph Reuter ist über die Jahre ein unverwechselbarer Sound entstanden. Ganz besondere Erlebnisse sind die Konzerte des Trios, da sie vor originellen Ideen nur so sprühen!

Das Cristin Claas Trio spielte in den letzten 15 Jahren über 1000 Konzerte (darunter Rundfunkkonzerte beim MDR, SR, Deutschlandradio u.a.), außergewöhnliche Großprojekte mit Chören und Orchestern (u.a. Babelsberger Filmorchester, Staatskapelle Halle) und gastierte dabei in ganz Deutschland und verschiedenen Ländern Europas. Es veröffentlichte insgesamt sieben CDs und hat sich als Liveband einen exzellenten Ruf erworben. Nachdem 2017 das Livealbum "Back In Time" erschienen ist, folgte kurz darauf schon – auf langjährigen Wunsch des treuen Publikums – die Veröffentlichung ihres nächsten mit ausschließlich Volks und Kunstliedern. Diese und andere Songs sind nun endlich auch wieder im Konzert zu erleben – im gewohnt "claasischen Sound".