Geboren und aufgewachsen in Paris, stammt Naïssam Jalal aus einer Familie mit syrischen Wurzeln, die von musikalischer Leidenschaft und Neugierde geprägt ist. Sie reiste als Musikerin durch den gesamten Mittelmeerraum bis in die Heimat ihrer Eltern. In Syrien erweiterte sie ihr musikalisches Repertoire um die Nay-Flöte und die syrische Violine. Zurück in Frankreich gründete sie mit Musikern aus Marokko, Ungarn, Deutschland und Italien ihr Quintett Rhythms of Resistance, das inzwischen seit zehn Jahren besteht und mit dem sie mehrere Preise erhielt wie den Coup de Coeur der Académie Charles Cros (2017) und den Victoires du Jazz (2019).

Die Musik von O. U.R. S., einer Formation aus exzellenten Protagonisten der französischen Jazzszene, ist zugleich ernst, aber dennoch verspielt, anmutig progressiv und brillant klassisch. Die Mitglieder verbinden ihr musikalisches Erbe mit Improvisationen und unendlichem Elan. Das tun sie im Geiste des Free-Jazz-Saxophonisten Ornette Coleman, und hier vereinen sie seine gewagten Arpeggios mit den hartnäckigen repetitiven Motiven der ameri-kanischen Minimalisten.

So klingt die Kammermusik des 21. Jahrhunderts. In permanenter Überschreitung der Grenzen zwischen zeitgenössischer Komposition und Improvisation, mit höchster Virtuosität, lupenreiner Lyrik und rückhaltlosem rhythmischem Wagemut verschmelzen Aki Takase, Louis Sclavis und Vincent Courtois den ganzen Formenreichtum der Musik des 20. Jahrhunderts mit ihren je persönlichen Verwurzelungen, Geschichten und Klangexpeditionen abseits der Trampelpfade zu einem neuen Universum. Folklore einer erst zu erfindenden Welt? Impressionismus von heute? Für Etiketten hat dieses Trio nur ein Lächeln, was sie umtreibt, lautet, auf den Punkt gebracht: fröhlich über alle Grenzen!

Die Premiere von Daniel Erdmann's Thérapie de couple auf der Jazzahead im April war für viele der musikalische Höhepunkt dieses weltgrößten Branchentreffs. Die traumhaft besetzte Band explodiert geradezu vor virtuosem Spielfeuer und lässt im orchestralen Klang von Streichern, Holzbläsern und dem beflügelnden Schlagzeugspiel nichts zu wünschen übrig.

Die Jazzfruit 2022-Sieger erstmals in D-Land

Mit ihrem frischen Sound und ihren einfallsreichen Kompositionen erspielten sich die ACOUSTIC NEEDLES 2022 den Sieg beim internationalen Nachwuchsfestival Jazzfruit in Prag. Die Stücke der jungen Band stecken voller unkonventioneller Rhythmen und Harmonien. Der Kern der Gruppe besteht aus dem Keyboarder Jakub Eben, dem Bassisten Lukáš Mandlík und dem Drummer Michael Nosek. Im Studio und bei ihren Konzerten arbeiten sie jeweils mit verschiedenen Gästen wie der Sängerin Zaira oder dem jungen Multiinstrumentalisten Prokop Korb (badfocus) zusammen. Nach zwei EPs („Cycling“, „Memory“) und zahlreichen gefeierten Konzerten in Tschechien spielen die Acoustic Needles nun erstmals außerhalb ihres Heimatlandes.

Orient und Okzident in höchst intimer und kraftvoller Musik vereint

Vor der Pandemie war das Quartett MASAA international auf Tour, begeisterte sein Publikum in Ost (Tunesien, Aserbaidschan, Izmir) wie West (von Spanien bis England). Auf ihrem bislang letzten Album "Irade" feierte die Band den Einstand von Reentko Dirks, dessen individuelle Gitarrenkünste dem Gruppensound spektakuläre neue Klangfacetten hinzufügen. 2021 wurde "Irade" mit dem Deutschen Jazzpreis in der Kategorie Album Vokal des Jahres ausgezeichnet, zudem erhielt der libanesische, in Mohnheim bei Köln ansässige Sänger, Dichter und Komponist Rabih Lahoud den WDR-Jazzpreis.

Auch die Medien sind von der Band begeistert. So lobte die FAZ „die kosmopolitische Ausstrahlung“ und hob unter anderem hervor: „eingängig und gleichzeitig interessant wirken die Melodieführung und das warme Timbre von Rabih Lahoud und Marcus Rust.“ NDR Info konstatierte: „Die Musik hat einen unglaublichen Flow, eine ausgeklügelte Dramaturgie [...] und besticht mit einem Trompeten- und Flügelhorn-Sound, der an Nähe und Wärme kaum zu überbieten ist.“ Süddeutsche.de resümierte: „Musik, die laute und leise, nachdenkliche und intensive Töne, Orient und Okzident auf außergewöhnliche Weise vereint.“

Das neue, vierte Masaa-Album "Beit" (auf Deutsch: Haus, Heim) manifestiert die musikalische Tiefe der Band, ihre singuläre Klangsprache und den Gestaltungswillen aller Beteiligten und die Musik wirkt wie eine atemberaubende Achterbahnfahrt durch Emotionen und feinsinnige musikalische Wechsel. Stets bildet der eindringliche Gesang Rabih Lahouds, seine Ausdruckskraft über mehrere Oktaven bis in hohe Register das Gravitationszentrum des Quartetts. Eingebettet ist er in nuancierte Arrangements, deren Dynamik besonders live gängige kammermusikalische Rahmen sprengt.

Wer möchte, kann Masaa in eine Reihe mit Grenzgängern wie Dhafer Youssef und Rabih Abou-Khalil stellen. Die Songs ihres neuen Albums "Beit" wirken noch detailschärfer, die Interaktion der Musiker ist noch nuancierter. So bringt die Band auf eindrückliche Art Essenzen musikalischer Ästhetik aus Ost und West zusammen und kreiert daraus eine höchst intime und gleichzeitig kraftvolle Musik, die Genre- und andere Grenzen hinter sich lässt.

Inspiriert-ästhetischer und individueller Vocal Jazz

Das KAROLINE WEIDT QUARTETT vereint die Energie und Komplexität des Jazz mit der Eingängigkeit des Pop. Jeder Ton und jede Struktur hat Bedeutung und verweist auf eine edle Ästhetik. „Ich suche die Schönheit in den Details und kreiere daraus meine Musik“ verrät die Sängerin und Komponistin KAROLINE WEIDT.
“Klare, prägnante Melodien, bewusst ausformulierte Texte und klangfarbenreiche, feinsinnige Arrangements“ definieren den Sound des Quartetts. (jazzzeitung.de)
Mit ihrem Debüt-Album „Inviting“ öffnet sich ein neues Kapitel:

Will you come and take me
to a place I’ve never been?
Far beyond my phantasy,
so far from where I use to be.

Bereits mit dem ersten Ton wird eine intensive Stimmung erzeugt, die das Publikum zu verzaubern vermag. Während KAROLINE WEIDTs sphärische Vokalisen vor Leichtigkeit schweben, steht sie mit ihrer natürlichen Präsenz im Zentrum des Sounds. Innerhalb ihrer detailreichen Arrangements bewegt sich das Quartett flexibel durch ungewöhnliche Harmonien, energievolle Soli und mehrstimmigen Gesang. Ein fluides Zusammenspiel, voller Spontanität und Mut: "Wir geben uns Raum zu riskieren, um die Magie des Moments heraus zu kitzeln und so uns selbst und das Publikum zu überraschen.”

Die in München lebende KAROLINE WEIDT gründete ihr Quartett zusammen mit Bassistin Loreen Sima, Drummer Valentin Steinle und Pianist Mikolaj Suchanek Anfang des Jahres 2020 in Dresden. Seitdem sind zahlreiche Kompositionen entstanden, welche unter anderem auf ihrer Debut-EP „The Dream“ zu finden sind. Das Medienecho ist bis heute beeindruckend: „Karoline Weidt gehört aktuell sicher zu den vielversprechendsten Sängerinnen“ (Süddeutsche Zeitung), “vielseitig, unerwartet und sehr feingearbeitet” (BR Klassik), “Formation von Hochbegabten” (thatjazz.de), “unglaublich musikalisch, melodiös” (BR Klassik), “stilsicher und geschmackvoll…superb produziert” (jazzreportagen.com)

Das Ensemble wurde inzwischen mehrfach ausgezeichnet: Als Preisträger des “Festival da Jazz #jazzlab” (2021) in der Schweiz, des “Jungen Münchner Jazzpreis” (2021) und der “Blue Note Poznań Jazz Competition” (2022) in Polen tritt es auf zahlreichen nationalen und internationalen Bühnen auf. In diesem Jahr präsentiert das KAROLINE WEIDT Quartett ihr Debütalbum „Inviting“, welches im Mai 2023 bei Double Moon Records / Jazzthing Next Generation veröffentlicht wird. Eins ist jetzt schon klar, es wird musikalisch spannend: „Zart, aber auch entschlossen, rhythmisch filigran und doch auch spannungsvoll. Eine Musik zum Zuhören, zum Ernstnehmen, aber auch zum Genießen.“ (jazzzeitung.de)

Bis die Funk-en fliegen. BOBBY SPARKS II, ist der Mann für die ganz soliden Funk-Sounds – vielfach gefragt, wenn es gilt, eine ordentliche Portion Schärfe auf die Soul-Bühne oder ins Jazz-Studio zu bringen. Der Keyboarder, Komponist, Arrangeur und Konzeptkünstler Bobby Sparks, bekannt aus der Zusammenarbeit mit Größen wie Snarky Puppy, Lizz Wright, Marcus Miller, John Scofield und besonders Michael League und vielen anderen mehr, setzt seine atemberaubenden Veröffentlichungen mit „Paranoia“ fort, dem Gegenstück zu dem 2019 ebenfalls bei Leopard Records erschienenen Album „Schizophrenia - The Yang Project“.

Das neue Album ist nichts anderes als ein Meisterwerk. Zwei Stunden und 20 Minuten lang präsentiert der Texaner ohne Unterbrechung ein Feuerwerk an Musikalität, Spontaneität, gewaltigen Soli und großartigen Arrangements. Funk, Rock, Balladen und Jazz sind die Bestandteile dieser Reise durch das musikalische Universum des Bobby Sparks II. Das Musikmagazin Westzeit schrieb begeistert: "Endlich zeigt uns mal wieder jemand, wie fett eine SoulJazzFunk-Mixtur sein kann, der texanische Keyboard-Wizard treibt uns mit unfassbarem Groove, breitbeinigen Gitarrenriffs und exotischen Klang-Gewürzen den Schweiß literweise auf den zuckenden Leib. (…) Ein Hammer!" Welcome to the Funk Opera!

Jazz-Skills treffen auf Songwriting-Sensibilität


Wieder eine außergewöhnliche Entdeckung aus dem Musik-Wunderland Schweden. Die drei Frauen und zwei Männer von DEAREST SISTER stehen für ein aktuelles Phänomen: Junge Musiker*innen mit weitem Horizont und fundierter, Jazz-geprägter Ausbildung, die ihre Fähigkeiten nicht dazu nutzen, Jazz im herkömmlichen Sinne zu spielen, sondern eine Musik, die sich mit den Einflüssen und Themen ihrer eigenen Generation beschäftigt. Aber zugleich auch eine Musik, die bewusst nicht „Pop“ sein will, sondern vielmehr einen Kontrast zur Art der modernen Mainstream-Musikproduktion setzt und damit die Sehnsucht vieler Hörer*innen nach Authentizität, Originalität und emotionaler Tiefe erfüllt.
Dearest Sisters Debütalbum "Collective Heart" ist zuallererst Ergebnis der engen, kontinuierlichen Zusammenarbeit der beiden jungen Bandleaderinnen Andrea Hatanmaa mit ihrer Partnerin-in-Crime Ylva Almcrantz, wird aber auch getragen von einer höchst sensibel agierenden Band. Es ist eine verblüffend breit gefächerte Palette an Songs, die oft auch in ihrem Verlauf sehr unerwartete Wendungen nehmen: Nordisch-weite Klanglandschaften wechseln sich ab mit "Walls of Sound". Der Motor der Songs sind die mal zarten, mal ungeraden und dann wieder äußerst treibenden Grooves von Drummer Liam Amner. Dazu gestrichener oder gezupfter Kontrabass von Joakim Lissmyr und weiche Melodien und elektronisch aufgefächerte Flächen von Flügelhornistin Ellen Pettersson. Zwischendrin: Ein fast klassisches, berückend-schönes Bläser-Interlude, dann wieder Synthie-Linien und effekt-verstärkte Cluster. Zu viele Zutaten, könnte man meinen. Doch die Arrangements sind so intelligent gebaut, ihre Bestandteile so bedacht gewählt und die Ausführung so klar und organisch, dass die Musik, trotz ihrer vielen Elemente, rund und schlüssig wirkt.

Jazz-Skills treffen auf Songwriting-Sensibilität. Die Songs von Dearest Sister stecken voller Experimentierfreude und musikalischer Neugier, starkem Musiker-Handwerk, überraschenden Kontrasten und großer Authentizität. Man könnte sagen, Elementen, die auch dem Jazz, wenn auch nicht exklusiv, aber doch von seinen frühesten Ursprüngen, innewohnen. Jazz, das ist heute mehr denn je auch die Schublade für das, was sonst in keine Schublade passen will. Und, wie eigentlich schon immer: Eine Musik in Bewegung, ein Experimentierfeld, dessen Macher*innen und Hörer*innen genau das suchen: Das Neue, Besondere, Echte. Bei Dearest Sister findet man genau das.

Ein Konzert der Reihe LIVE AUDIO LOVE in Zusammenarbeit mit RADIOKÖRNER.

Dresdens schweißtreibendstes Tanzorchester feiert Geburtstag

Es geht ein Raunen durchs Elbtal. Die Gerüchte sind wahr! Am 13. Mai wird die Dresdner Altstadt beben. Der Mörtel in den Sandsteinmauern möge sich in Haltbarkeit üben! Denn unter den Gehwegen wird der Swing die Gewölbe der Jazz-Tonne zum Zittern bringen! Seit nunmehr einem Vierteljahrhundert liefert das New Town Swing Orchestra dem tanzwütigen Feiervolk glühende Sohlen und treibt ihm den Schweiß auf die Stirn. Das will zelebriert werden. Und zwar in schwungvoll heiterer Musikantenmanier. Ihr dürft euch auf mitreißend swingende Tanzmusik und Arrangements berühmter Bigbands wie der von Count Basie, Quincy Jones und Gordon Goodwin freuen. Mit von der Partie sind Veronika Kralacek und Dan Smith, die mit ihren wunderbaren Stimmen dem Sound der Band das sprichwörtliche Sahnehäubchen aufsetzen.

Chris Morrissey besitzt die Gabe, auf unglaublich elegante, leicht wirkende Art und Weise Stile und Genres zu verschmelzen, so dass ihn der Chicago Reader als jemanden beschrieb, der "wie nebenbei Wegbereiter für die Zukunft des Jazz" ist. Mit seiner aktuellen EP "Impact Winter Formal" von 2021 Morrissey es endgültig aufgegeben, zwei Genrewelten zu überqueren, und steht stattdessen mit beiden Beinen fest in einer völlig neuen Welt, die persönlich und zukunftsweisend, komplex, aber unmittelbar, klangvoll und inspirierend ist. Das Ergebnis ist brillant, fesselnd und emotional.

Der laut eigener Aussage "Songwriter, Bassist, Sänger, Musikdirektor, Löwe, Onkel, Liebhaber der meisten Katzen und einiger Hunde, in Minnesota lebender New Yorker, Yoga-Praktiker, Weinliebhaber, Restaurant-Stammgast und Witzeerzähler/-liebhaber" Chris Morrissey hat in seiner bisherigen Musikerkarriere Hunderttausende von Meilen auf fünf Kontinenten mit dem Jim Campilongo Trio, dem Mark Guiliana Jazz Quartet, Beat Music, der Dave King Trucking Company, Sara Bareilles, Chris Thiles Hausband "Live From Here", Margaret Glaspy, Boy George, Ben Kweller, Andrew Bird, Mason Jennings, Gretchen Parlato, Trixie Whitley, Gabriel Kahane und Amy Helm zurückgelegt. Er stellte Bands zusammen, arrangierte und probte Repertoire für Tournee und TV für Sara Bareilles, Sharon Van Etten, Trixie Whitley und Elle King. Morrissey teilte die Bühne mit Sir Elton John, nahm mit Cyndi Lauper auf, koproduzierte Jackie Wilsons "Higher and Higher" für das Oprah Winfrey Network und schrieb das In-Memoriam-Arrangement von Charlie Chaplins "Smile" für The 66th Annual Emmy Awards. Als Komponist und Bandleader hat Morrissey bereits vor "Winter Impact Formal" vier hoch gelobte Alben unter eigenem Namen veröffentlicht: "Laughing and Laughing" (2018), "The Morning World" (2009), "Cannon Falls Forever" (2011) und "North Hero" (2013).

Er tritt regelmäßig mit seiner Band in New York City auf und lebt im East Village, einem wie er selbst sagt "ziemlich schönen Ort für einen Musiker". Den verlässt er einmal mehr für eine Europatournee mit seiner fantastischen Band, um ein weiteres neues Album vorzustellen.

Man hat dieses Quintett mit Blaskapellen und mit Zirkusbands verglichen, mit Mingus, Breuker, Sexmob und dem Art Ensemble of Chicago. Richtig ist: Bei PAPANOSH stehen Spaß und Gebläse ganz weit im Vordergrund, und Groove und Virtuosität gehören immer mit dazu.

Auf ihren bisherigen Alben und Tourneen wurden sie u.a. von solch illustren Gästen wie Roy Nathanson, Marc Ribot oder Napoleon Maddox begleitet. Mit ihrem im März 2023 erscheinenden fünften Album A VERY BIG LUNCH begeben sich Papanosh in ihr neuestes Abenteuer:

Treffen wir mit ihnen Jim Harrison, den amerikanischen Romanautor und Lyriker (1937–2016), der fand, dass Schreiben und Forellenfischen so gut zusammenpassen.

Zum Schreiben gekommen war Harrison, nachdem er bei der Vogeljagd eine Klippe hinabstürzte: Im Krankenhaus vertrieb er sich die Zeit mit dem Schreiben seines ersten Romans. Es folgten zahlreiche weitere Werke, darunter seine Novelle "Legenden der Leidenschaft", die mit Brad Pitt und Anthony Hopkins verfilmt wurde, sowie der Roman "Dalva".

Papanosh spielt den imaginären Soundtrack der Filme, die in Harrisons Büchern sprudeln – starke Bilder voller Maßlosigkeit und Sinnlichkeit.

Aus all den Zweifeln und Tiraden des Romanautors, aus seiner Liebe zur Natur und seinem lebendigen Zeugnis des "American Life" hat der Papanosh-Keyboarder Sébastien Palis ein berauschendes Musikwerk gemacht! Papanosh schlagen damit ein Songbook auf, in dem sie dem folgen, was Harrison am Nächsten kommt: Unersättlichkeit und Übermaß!

Es grüßen Jazz, Folk, Free, Improvisation in Hülle und Fülle, Geschichten – geteilt in einem großen musikalischen Fest. Einem ausgelassenen, einem höllischen Fest!

Die fantastische »Geburtstagsband« des einflussreichen norwegischen Musikers

Man kann sich die Reise des Bassisten und Komponisten INGEBRIGT HÅKER FLATEN wie eine Odyssee in einem Wikingerschiff (Knarr) vorstellen, mit großer Reichweite, hoher Geschwindigkeit und starker Seetüchtigkeit im Sturm. Seine Geschichte kann auch rein musikalisch erzählt werden: mit seinem Album und der gleichnamigen Band (EXIT) KNARR, womit er praktisch vom Vossa Jazz zu seinem 50. Geburtstag "beschenkt" wurde. (Exit) KNARR ist ein Auftragswerk des Festivals, das ursprünglich 2020 uraufgeführt werden sollte, aber – wegen der Pandemie – erst im September 2021 stattfinden konnte, fast auf den Tag genau zu Håker Flatens Geburtstag.

Ingebrigt Håker Flaten ist einer der einflussreichsten norwegischen Musiker der letzten 30 Jahre und (Exit) KNARR ist sein bisher persönlichstes Album. Es ist eine Hommage an die Menschen, die Musik und die Orte, die ihn geprägt haben.

Der preisgekrönte norwegische Bassist, Improvisator, Komponist und Bandleader steht seit den frühen 1990er Jahren sowohl in seinem Heimatland Norwegen als auch international an der Spitze der modernen kreativen Musik. Er tourte mit Bugge Wesseltofts Gruppe New Conceptions of Jazz und trat mit Musikern wie John Scofield, Joshua Redman und Erik Truffaz auf. Håker Flaten spielte in den Bands Atomic, The Thing (mit Mats Gustafsson und Paal Nilssen-Love), dem Scorch Trio (mit Raoul Björkenheim), The Electrics (mit Axel Dörner), Free Fall (mit Ken Vandermark), Close Erase (mit Christian Wallumrød) u.v.a. Daneben arbeitete er auch mit Rockbands wie Motorpsycho.
In seinen zahllosen Kollaborationen, Bands und Projekten hat Ingebrigt Håker Flaten die Erkundungen und Experimente des Post-Free Jazz mit dem geschickten Einsatz von Attributen aus vielen anderen Idiomen verbunden.

(Exit) KNARR unterstreicht Håker Flatens Rolle als wahrhaftiger, unaffektierter (Band)Leader: mit seinem kraftvollen, eigenen Sound, der Erfahrung und Weisheit, alles zusammenzuhalten, es swingen und rocken zu lassen, und vor allem seine Mitmusiker und uns als Zuhörer zu inspirieren, unsere Welt leidenschaftlicher und mitfühlender zu machen, harmonischer. Ein großartiges Album und eine großartige Band von einem der ganz Großen.

The Songs - live on tour

Der Gitarrist und Sänger LUKA BLOOM gehört zweifelsohne zu den wichtigsten Songwritern Irlands. Sein beeindruckendes Gitarrenspiel und seine Stimme reichen völlig aus, um selbst größte Säle mit seiner Musik zu füllen – mehr braucht es schlicht nicht. Nach langer Corona-Pause richtet sich Luka mit persönlichen Worten und neuer Musik an seine Fans:

„Im April 2023 werden meine letzten Auftritte in Deutschland rund fünf Jahre in der Vergangenheit liegen. Doch obwohl die Welt zwei Jahre lang still stand, ist so viel passiert. Die Welt ist ein anderer Ort, mit vielen neuen Herausforderungen. Doch eines brauchen wir immer noch: Lieder. Die Geschichte erzählt uns, was in der Welt passiert ist. Lieder erzählen uns, wie wir uns gefühlt haben, als diese Dinge passiert sind. Und so singe ich fünf Jahre später immer noch meine Songs. Sie überleben. Es ist für mich ein großes Privileg, dass ich nach Deutschland eingeladen werde, um meine Musik mit Euch zu teilen.
Während der dunklen Corona-Jahre habe ich drei Platten aufgenommen: Im November 2019 erschien „Live at De Roma”, ein Live-Album aus dem De Roma, einem wunderschönen alten Theater in Antwerpen. Es war ein magischer Abend. „Bittersweet Crimson“, ist mein letztes Studioalbum, welches ich im Februar 2020 herausgebracht habe und im selben Jahr eigentlich der ganzen Welt live präsentieren wollte. Während der Pandemie beschloss ich dann zuletzt, ein rein instrumentales Album zu produzieren, die ohne Worte all die Emotionen jener Jahre widerspiegelt. Das Ergebnis „Out Of The Blue“ ist im August 2021 erschienen und ist die dritte Platte meiner Covid-Trilogie.

Nun ist es endlich an der Zeit meine Melodien zu spielen und meine Lieder zu singen. Ich freue mich im April 2023 für ein paar wundervolle Abende nach Deutschland zurückzukehren, um das Leben der Lieder zu feiern, das wir teilen.“

Psychedelic Highsoul & R’n’B

Malika Tirolien ist eine bemerkenswerte Sängerin, Musikerin, Songwriterin und Produzentin aus Guadeloupe, die heute in Montreal lebt. Mit ihren kreativen Kollaborationen erlangt sie internationale Aufmerksamkeit. Ihre kraftvolle Stimme zieht sofort die Aufmerksamkeit auf sich, und ihre kunstvollen Kompositionen übermitteln intensive Emotionen mit modernen Einflüssen aus verschiedenen Genres, das Ganze durchsetzt von einer fundierten Kenntnis des Jazz. Ihre Liebe, Leidenschaft und ihr Respekt für die Musik sind in jedem Song zu spüren.

Malika Tiroliens neueste Veröffentlichung „Higher“ ist der zweite Teil einer Tetralogie – vier Alben, die alle jeweils ein Element Erde, Luft, Feuer und Wasser thematisieren. Das Album ist ein Paradebeispiel für afro-futuristischen Stil und wurde gemeinsam mit dem Bokanté-Schöpfer und Snarky Puppy-Chef Michael League produziert. Es verkörpert energiegeladenen Groove mit Einflüssen aus R&B, Soul, Hip-Hop, Funk und Jazz, gelegentlich unterbrochen durch französische Rap-Parts, die dem „kühnen Album Tiefe und Dynamik verleihen“ (Le Devoir). Malika Tirolien nimmt ihre Zuhörer:innen mit auf einen psychedelischen Trip, der sich von emotional aufgeladener Spannung hin zu ausbalancierter Tranquilität bewegt.
Mit Bokanté hat sie bereits über 20 Länder bereist. Zwei brillante Alben der Band haben ihr weltweite Anerkennung und eine Grammy-Nominierung eingebracht. Tiroliens elektrisierende Performance auf „I’m Not The One“ (1,9 Mio. YouTube-Aufrufe) ist ein erstklassiger Track auf dem mit einem Grammy ausgezeichneten Album von Snarky Puppy, mit denen sie weiterhin regelmäßig live unterwegs ist.

Hypnotisches Erlebnis mit dem Weltklasse-Multiinstrumentalisten

"Jazz-Minimalist", "Klarinetten-Guru", "einer der abenteuerlustigsten Multiinstrumentalisten, Komponisten und Produzenten Polens" – Attribute, die dem klassisch ausgebildeten Musiker und Komponisten WACŁAW ZIMPEL zuteilwurden. In der Tat ist Zimpel eine der Schlüsselfiguren der polnischen improvisierten Musikszene.
Seine internationale Karriere begann Anfang der 2000-er mit Jazz und Kollaborationen mit Hamid Drake, Steve Swell, Dave Rempis, Joe McPhee oder Ken Vandermark. Schnell nannte man ihn in Fachmagazinen "einen der vielversprechendsten Musiker des europäischen Kontinents", der von Jazz Elektronik, Minimalismus und globalen Wurzeln gleichermaßen inspiriert war. Projekte mit dem britischen Synth-Wizard James Holden, dem Elektronikkünstler Shackleton oder dem grammy-dekorierten modernen Klassiker Evan Ziporyn manifestierten Zimpels Ruf als unermüdlicher Sucher – nach Erweiterung seiner Ausdrucksmöglichkeiten und nach Auflösung musikalischer Grenzen.

Inzwischen ist Wacław Zimpel gerade in seinen Soloperformances einer der spannendsten Künstler, die unterschiedliche musikalische Welten miteinander verbinden, indem er amerikanische Minimal Music, hinduistische Ragas, Jazz und klassische Techniken verschmilzt.

Zimpel ist dafür bekannt, während seiner Performance viele Instrumente sowie einen Looper zu verwenden, der es ihm ermöglicht, Sounds über Sounds zu legen und ein harmonisches Musikerlebnis wie kein anderes zu schaffen. So erzeugt er musikalische Räume, die die Zeit anzuhalten scheinen: Man hört seinen Stücken weniger zu, als vielmehr hineinzufallen.

Vielfarbige Geschichten in starkem, betörendem Spiel

Die estnische, preisgekrönte Pianistin BRITTA VIRVES lebt schon seit einiger Zeit in Stockholm, wo sie mit vielen der besten schwedischen Jazzmusiker zusammenarbeitet. Mit "Juniper" hat die 31-Jährige gerade ihr Debüt-Album auf Kurt Rosenwinkels Label Heartcore Records herausgebracht. Auf einem Stück ist der Labelboss auf der Gitarre einmal als Gast dabei. Dabei hat die junge Estin namhafte Unterstützung keinesfalls nötig, so überzeugend klingt ihr Debüt. Starke Melodien und ein starkes Zusammenspiel mit Bassist Jon Henriksson und Schlagzeuger Jonas Bäckman prägen diese Aufnahme. Aber auch der schöne Sound ihres Klavierspiels betört ebenso wie die Art und Weise, wie das Trio musikalisch seine kleinen, vielfarbigen Geschichten erzählt. Sensibel und hochdynamisch, das schließt sich bei diesem spannenden Dreier dabei nie aus.
"Einige Musikschaffende haben es zuwege gebracht, eine Balance zwischen sprachlicher Brillanz, emotionaler Aufladung und echtem Vertrauen zu finden. Britta Virves gehört zu dieser seltenen Menge und Juniper ist eine wunderbare Manifestation ihrer rhetorischen Fähigkeiten. Sorgfältig und geduldig kreierte Geschichten, die selten dem erwarteten Weg folgen. Man kann einfach nicht aufhören zuzuhören." – Joakim Milder (Grammy-nominierter schwedischer Saxophonist, Komponist und Arrangeur)

Düster-schöne Stadtfahrten, lichtdurchflutete Klänge

Das akademische Kostüm ablegen – forschend, neugierig, unter Freunden.
Conic Rose lebt die Echtheit live gespielter Instrumente, in einem See elektronischer Klänge schwimmend.
Im Zentrum steht die Trompete, die mal zart, mal expressiv und dann fast schon wütend darum kämpft sich Gehör zu verschaffen. Um deutlich zu machen, dass es nicht die menschliche Stimme braucht, um starke Aussagen zu erzielen.
Zugleich in einer Vielzahl von erfolgreichen Projekten, wie z.B. bei Clueso, Samy Deluxe, Stegreif.orchester, Chefket, Maria Joao und vielen mehr aktiv, suchen Konstantin Döben, Bertram Burkert, Johannes Arzberger, Franziska Aller und Silvan Strauß mit Conic Rose nach einem besonderen Sound. Sie gehen dabei eklektisch vor, klauen hier und da die Ideen ihrer Idole, in der Hoffnung unerkannt zu bleiben. Sie können nicht anders. Ihre Musik scheint zu wissen, was sie will – vielleicht irrt sie sich. Gedankenverloren, konkret, weit, improvisiert, produziert, tanzend und ernst.

"Eine neue Hoffnung des deutschen Jazz", erkannte mdr kultur, was der Deutschlandfunk noch steigerte: "eine Band, die abheben wird wie eine Rakete." Der amerikanische Downbeat hörte "Spannung und Begeisterung" in VINCENT MEISSNERs von seinem Mentor Michael Wollny produzierten Debütalbum "Bewegtes Feld" aus dem Jahr 2021. Gerade mal zwanzig war da der Pianist und schon ordentlich mit Preisen dekoriert. Viel Lob, viel Ehr … Dabei hatte sein junges akustisches Pianotrio mit Bassist Josef Zeimetz und Schlagzeuger Henri Reichmann bis dahin coronabedingt kaum Gelegenheit, das reichhaltige und durchweg vom Bandleader komponierte Material live vorzustellen und zu entwickeln.
Das hat sich mittlerweile geändert, was den Spaß an der Sache noch gesteigert hat. Man hört es auch dem jetzt erscheinenden neuen Album "Wille" an, wie dieses Trio enger zusammengerückt ist und seine Spielfreude gesteigert hat. Die Band hat ihr Interplay entwickelt, geht die Stücke nun freier an. Durch offenere Passagen hat sich der Sound geändert. Emotionaler agieren sie und lieben komplexere Formen, in denen sie mit Strukturen spielen und Ideen fortführen, die sie teilen. So ist ein kompakter Bandsound entstanden, den sie flexibel laufen lassen können und zu soghaften, songhaften Stücken verdichten. Energie und Wucht sind da, aber auch Kontemplation und Innehalten. Alles ist möglich mittlerweile. Variabel, quirlig und eng verzahnt schreitet das voran, wobei sie den Fokus scharfgestellt haben für liedhaft melodiöse Songs.
Diese drei wissen genau, dass sie viel miteinander erreichen können, wobei sie ein hoher Sympathiebonus begleitet und ihre Souveränität anfeuert. Ziel ist dabei eine markante Eingängigkeit jenseits des Banalen. Und ihr Tatendrang verleiht der Musik Dringlichkeit und Überzeugungskraft.
Das neue Kapitel des VINCENT MEISSNER TRIOS ist ein konsequenter nächster Schritt, der schon wieder Lust auf mehr macht. Diese Band ist auf dem Weg.

Während die gute alte Klassik für Musik in Formvollendung steht und ihr junges Neo-Genre kategorisch nach Ungehörtem sucht, hat das KAISER QUARTETT aus Hamburg längst seine eigene Nische abseits dieser Traditionen gefunden. Seit 15 Jahren setzen sich die vier höflichen Herren dabei sorgfältig auf alle Musik-Stühle, egal ob es sich dabei um Funk Tracks, jiddische Folksongs, Popmusik, Hiphop oder Avantgarde-Klänge handelt. Im Jahre 2019 veröffentlichte das KAISER QUARTETT endlich sein gleichnamiges Debüt-Album.

Da wurden mit den Mitteln eines klassischen Streichquartetts Miniaturen eingespielt, die sich im Spannungsfeld elektronischer Vorbilder wie Giorgio Moroder oder Daft Punk befinden und deren musikalischen Input weiterspinnen. Also eher Disco als Debussy, mehr Electro-Feel als „Für Elise“. Dabei greift das KAISER QUARTETT auf seine Akkuratesse zurück, die Künstler*innen wie Jarvis Cocker, Daniel Hope, Boy, Die Sterne oder Gregory Porter in ihren Kollaborationen mit dem Quartett bereits zu schätzen wussten, und die vom Publikum als Groove und Tightness gefeiert wird.
Insbesondere die Begleitung des Ausnahmepianisten Chilly Gonzales auf etlichen seiner Tourneen erklärt am besten, was das KAISER QUARTETT zu leisten vermag: Mit 4x4 Saiten, Stil und Selbstbewusstsein Klassikmusik „cool“ zu machen.

Jetzt erscheint das neue Album "Empire", und live durchstreifen wir mit der Band deren abenteuerliches Pop-meets-Klassik-Crossover-Imperium.

Der facettenreiche israelische Künstler und Multiinstrumentalist OFER MIZRAHI verbindet in seinem unverwechselbaren Stil Jazz, Folk und östliche Musik – ein Spiegelbild seiner nomadischen Lebensreise und seiner Leidenschaft für intuitiven Schönklang. Sein musikalischer Weg wird von seinem Wunsch geleitet, die Schnittmenge von Instrumenten und Genres zu erweitern. Dafür entwarf und baute er seine eigene Gitarre – die Whale Guitar – eine modifizierte Version der indischen Slide-Gitarre. Dieses einzigartige Instrument mit 24 Saiten, das akustische und elektronische Klänge kombiniert, ermöglicht es Mizrahi, außergewöhnliche Klangschichten und Obertöne zu erzeugen.

Sein OFER MIZRAHI TRIO spielt geradezu raum- und zeitlos scheinende Musik, bei der westliche, türkische, indische Musik und Jazz in einen spontanen und sinnlichen Dialog treten. Mizrahis Wal-Gitarre, seine Trompete und sein Gesang schwelgen mit dem lyrischen Cello von Mayu Shviro und dem erdigen Pulsieren von David Michaelis Kontrabass und schaffen eine reiche musikalische Sprache, die Ost und West in einer kulturübergreifenden Erzählung verbindet, in der traditionelle Grenzen zu verschwimmen beginnen und aufhören zu existieren.

In den vergangenen zehn Jahren ist der dänische Kontrabassist JASPER HØIBY weltweit für seinen kühnen ausdrucksstarken Sound, seine charismatische Bühnenpräsenz und sein ausgeprägtes kompositorisches Können bekannt geworden. Neben Auftritten und Aufnahmen mit Künstlern wie Mark Guiliana, Shai Maestro, Jeff Ballard, Kurt Elling, Kairos 4tet, Marc O'Reilly u.v.a.m., waren es seine eigenen Projekte, die ihn um die Welt führten und bekannt machten: das Power-Trio Phronesis, seine Gruppe Fellow Creatures und jetzt PLANET B.

Die Vorstellung, dass es keine zweite Erde gibt, sobald die erste zerstört wurde, treibt Jasper Høiby nicht erst seit 2016 um, als er sich in einem Interview als "Klima-Hippie" bezeichnete. "Für mich ist Engagement gar keine politische Angelegenheit. Es geht einfach ums Überleben. Das Album "Planet B" im Jahr 2020 bildete dann den Auftakt für eine Tetralogie und das Trio gleichen Namens. Jetzt ist mit "What It Means To Be Human" das zweite der vier Alben erschienen, die sich der Auseinandersetzung mit Themen wie Klimawandel, künstliche Intelligenz und Geldpolitik widmen wollen.
Mit seiner Musik sucht Jasper Høiby nach einer Verbindung. Einer Verbindung zwischen der Menschheit und dem Planeten, zwischen den Problemen, mit denen wir alle konfrontiert sind, und dem nötigen Optimismus, um sie zu lösen.
Während es viele Momente gibt, die die Virtuosität und die harten Grooves zeigen, die man von Phronesis kennt, bietet Planet B mehr. Die Musik ist hochgradig fesselnd, verstärkt durch elektronische Klanglandschaften und durchsetzt mit kraftvollen, gefühlsbetonten Reden einiger einzigartiger und zukunftsorientierter Frauen, wie der Feministin Grace Lee Boggs, der Aktivistin Ruby Sales und der Schimpansenforscherin Jane Goddall.

Das Herzstück des Projekts PLANET B ist das Trio. Eine Gruppe gleichgesinnter und kreativer Seelen, bei denen sich alles um den gemeinsamen Sound dreht. Das Mastermind ist Jasper Høiby, der geschätzte und verehrte dänische Bassist, der tief reflektierende, ausdrucksstarke und visionäre Künstler. Die Musik von Planet B steht an der Spitze der kreativen europäischen Szene.

Der Schlagzeuger, Komponist und Pädagoge JIM BLACK hat sich zu einem der gefragtesten Avant-Jazz- und Experimental-Rock-Schlagzeuger der Welt entwickelt, seit er in den 1990-ern zu den Schlüsselfiguren der New Yorker Downtown-Szene gehörte.
Geboren 1967 in Kalifornien und aufgewachsen in der fruchtbaren Musikszene von Seattle, WA, zog er nach Boston und absolvierte 1989 das Berklee College of Music. Während dieser Zeit gründeten Black und seine Kollegen in Seattle Chris Speed und Andrew D’Angelo mit dem Gitarristen Kurt Rosenwinkel die Band Human Feel.
1991 zogen Black und die anderen Mitglieder von Human Feel nach Brooklyn, NY, gezogen, wo sie eine Heimat in der Downtown-Musikszene und deren wichtigstem Venue Knitting Factory fanden. Schnell wurden sie zu den geschäftigsten Sidemen der Stadt. In seinen frühen Jahren in New York spielte Black Hauptrollen in einigen der am meisten gefeierten Bands der Zeit – Tim Berne's Bloodcount, dem Ellery Eskelin Trio, Pachora und dem Tiny Bell Trio von Dave Douglas. Es begannen dreißig Jahre fast ununterbrochener Tourneen und Aufnahmen, mit diesen Bands sowie Künstlern wie Uri Caine, Dave Liebman, Lee Konitz, Steve Coleman, Tomasz Stanko, Nels Cline und Laurie Anderson.

Im Jahr 2000 gründete Black das vom Rock inspirierte Quartett AlasNoAxis, für das er sechs Alben mit seinen Kompositionen aufnahm. 2010 gründete er mit dem Pianisten Elias Stemeseder und Thomas Morgan am Bass das Jim Black Trio, das bislang vier Alben aufgenommen hat.

Im zweiten Coronajahr begann JIM BLACK, bereits vor einiger Zeit aus Brooklyn nach Berlin umgezogen, sich unruhig zu fühlen. Auf der Suche nach neuen musikalischen Herausforderungen versammelte er einige der aufregendsten Musiker der jungen Berliner Jazz-Szene um sich: Asger Nissen am Altsaxofon, Julius Gawlik am Tenorsax und Bassist Felix Henkelhausen.

Gemeinsam sind sie JIM & THE SCHRIMPS – ein rhythmisch explosives Jazz-Quartett, das sein Publikum mit energetischen Improvisationen und unbändiger Spielfreude fesselt.

Inspiriert von musikalischen Vorbildern wie Elliot Smith, Stina Nordenstam und Ornette Coleman interpretieren die vier Musiker von Black geschriebene Originalstücke. Diese sind merklich von den vielfältigen Erfahrungen des New Yorker Schlagzeugers geprägt, leben aber vor allem von der Energie und Individualität jedes einzelnen Bandmitglieds. So entsteht ein rauschhaft energetischer Sound, der sowohl die Band selbst als auch ihre Zuhörer herauszufordern weiß.

Fred Bürki und Philipp Schlotter sind ME&MOBI. Bürki spielt Schlagzeug, sowohl akustisch wie auch elektronisch. Schlotters präpariertes und verfremdetes akustisches Klavier schwankt zwischen Clubklängen, glitzernden Flächen und störrischen Patterns. Verwoben mit den elektronischen und organischen Beats ergibt das eine ergreifende Klangästhetik. Fernab von Klavierpolitur und fein ziselierten Tönen sind die hier warmen, dort harten und doch immer umarmenden Klänge des Schweizer Duos mittlerweile eine Instanz. Rhythmen aus der elektronischen Musik finden sich in neuem Gewand wieder und werden umspielt von reizvollen, betörenden Melodien.

Um ihr Universum nochmals zu erweitern, haben Me&Mobi für ihr neues Album "Gysenstein" und die derzeitigen Konzerte die Basler Sängerin ANNA AARON hinzugewonnen. Mit ihrer ätherischen Stimme verstärkt sie zusätzlich den Eindruck von Me&Mobis Musik: das schwebende Gefühl einer sich dehnenden Zeitlinie bei einem Spaziergang auf beweglichem Untergrund.

Das 2020 erschienene Album "Baudelaire & Piano", auf dem SUSANNA Gedichte des epochalen französischen Lyrikers ins Englische übersetzte und vertonte, kann vielleicht als das erste "richtige" Soloalbum der norwegischen Künstlerin bezeichnet werden. Reduziert auf Stimme und Piano hauchte die Künstlerin sprichwörtlich Charles Baudelaires knapp zweihundert Jahre alten "Blumen des Bösen" neues Leben ein. Mit "Elevation" gibt es nun die Fortsetzung, für die die Sängerin/Pianistin Susanna Wallumrød von der Tonband-Künstlerin Stina Stjern und ihren verfremdeten Samples und Klängen unterstützt wird.
In den Liedern kämpfen Lust mit Heiligkeit, Engel mit Dämonen, Zärtlichkeit mit Sadismus. Hexen, Heiden, Wölfe, Perverse, Schläger, Geister, Vampire und Dämonen treten auf. Zeit als unerbittliche Zerstörerin, Sünde als alles verschlingender Abgrund, Leiden und Ekstase: In Susannas eindringlichen Songs und ihrer Performance findet die Poesie von Baudelaire ihre kongeniale musikalische Umsetzung.

SUSANNA wurde zuerst bekannt als Susanna & The Magical Orchestra (ihrem Duo mit Keyboarder Morten Qvenild), bevor sie als Solistin mit herausragenden Interpretationen anderer Künstler wie Leonard Cohen, Lou Reed, Dolly Parton bis hin zu AC/DC und Joy Division international endgültig große Erfolge feiern konnte. Ihre Zusammenarbeit mit Bonnie "Prince" Billy ist legendär – er coverte als Höhepunkt mit seinem 2017 erschienenen "Wolf Of The Cosmos" das komplette erste Susanna-Soloalbum "Sonata Mix Dwarf Cosmos" von 2007.
Ein ähnliches Konzept wie für "Baudelaire & Piano" und jetzt "Elevation" verfolgte Susanna bereits mit ihrem Album "Garden of Delights", dessen Stücke von den surrealistischen Gemälden des niederländischen Malers Hieronymus Bosch inspiriert waren.

Susanna hat drei norwegische Grammys und viele andere Preise für ihre Arbeit als Künstlerin erhalten. Ihre Musik wurde in Fernsehserien wie Grey’s Anatomy, Skins, SKAM und in der HBO-Serie "New Pope" verwendet.

Saela Whim macht authentische, handgemachte Akustik-Musik. Gesang, Geige und Gitarre gehen Arm in Arm und locken mit bewegten, farbenreichen Grooves und feinsinniger Harmoniesprache in ihr Klanguniversum. Pop, Jazz, Soul und Weltmusik malen dabei vorrangig das Klanggesicht.

Ihr Debüt-Album „The Whim of Fate“ (2019) "kommt einer musikalischen Entdeckung gleich, die keck aus dem typischen Einheitsbrei der melancholisch-verträumten Songschreibergarde hervorlugt." (Nicole Czerwinka / www.elbmargarita.de)
Weil sich Sarah Graefe (voc, vl) und Gianluca Calivà (git) auch hinter der Bühne richtig gut verstehen, teilen sie Gedanken, ganz profan gesagt über „die Welt“, Gesellschaft, Miteinander und Werte. In ihren englischen Songtexten möchten sie daran teilhaben lassen. An Lebensfreude und Liebe, an Sehnsüchten und sanfter Gelassenheit. An Nachdenklichkeit, am Warten darauf, dass sich Missstände verändern, indem Empathie und Ambition Menschen dazu bewegt, sich zu verändern. Veränderung ist unbequem, aber eine Möglichkeit, sich weiterzuentwickeln.

Saela Whim möchte nicht stehenbleiben. Das Duo eröffnet einen musikalischen Raum voll schwungvoller Rhythmen und berührender Melodien. Sie wollen ihrem Publikum eine denkwürdige Begegnung sein, die ein paar Impulse auf den Heimweg mitgibt. Sei es ein Gedanke oder ein bewegender Nachklang.

Mit Gitarre, Bass und Schlagzeug spartanisch besetzt, sorgt das französische Trio ABACAXI für entrückende Töne in Form von heftig verzerrten Sounds, die sich zu fantastischen Soundorgien auswachsen. Gitarrist Julien Desprez verschanzt sich nicht hinter dem mächtigen Sound seines Instruments. Für ihn ist die elektrische Gitarre zu einem Controller geworden, mit dem er als Spieler mit Licht und Klang in wechselnden Kontrasten und Konfrontationen den physischen und mentalen Raum durchschreitet und ins Gleiten und Zittern bringt. Die Band erschafft eine aus dem Rockidiom herausgeschälte intensiv-abrupte Klangskulptur, eingebettet in eine wilde Choreografie aus Lichtimpulsen. Unverrückbar geglaubtes wird so aufgebrochen, ausgehebelt ins Taumeln gebracht.
Das ergibt insbesondere in der Konzertsituation ein akustisches und visuelles Wechselbad, das immer wieder in instrumentalen Eruptionen mündet, die exzessiver und enthemmter kaum sein könnten: Musik von reinigender Kraft.