Das Minimal Techno Jazz Piano Trio LBT hat ein neues Jazzprogramm, das in Kürze auf CD erscheinen wird. In ihren kollektiven Kompositionen stellen sie dabei die Improvisation in den Vordergrund und suchen nach einem spielerischen Zugang, der sich weniger in festgelegten Arrangements, als vielmehr in kompakten Zellen und deren improvisatorischer Entwicklung entfaltet. Aus ungewöhnlichen Sounds entstehen neue Grooves und Texturen, die sich zu einem homogenen Bandsound mischen, in dem das individuelle Können der drei Musiker voll zur Geltung kommt. Die langjährige Freundschaft, die gemeinsame Bühnenerfahrung und das große musikalische Vertrauen zueinander ermöglicht den Dreien, sich auf diese Reise einzulassen.

Chopin? Szymanowski? Evans? Jarrett? - oder vielleicht noch jemand anders? Manchmal romantisch gefühlvoll, manchmal kantig und forsch - die Eigenkompositionen von Mikołaj Suchanek nehmen den Zuhörer immer auf eine bunte Reise durch die Welt der Emotionen und präsentieren eine breite Palette von Einflüssen aus allen Genres. Eine Sache ist aber sicher: in jedem Stück steckt eine große emotionale Ladung und lädt das Publikum ein, in die unikale Klangwelt hereinzutreten, die das MIKOŁAJ SUCHANEK TRIO kreiert.

Im Sommer 2021 nahm das Trio sein erstes Album "A Bleak November Day" auf und direkt danach gewann es den 3. Preis bei der Blue Note Poznan Competition.

In Tschechien genießt die KAFKA BAND um den Schriftsteller Jaroslav Rudiš und Comiczeichner und Sänger Jaromír 99 längst absoluten Kultstatus. Jaromír 99 und Rudiš, nicht zuletzt durch ihre Graphic Novel „Alois Nebel“ und deren Verfilmung bekannt geworden, haben hier einige der renommiertesten tschechischen Musiker um sich geschart, Mitglieder von tonangebenden tschechischen Bands wie „Priessnitz“ oder „Tata Bojs“. Die Kafka Band - eine Supergroup des tschechischen Rock also, die zusammengekommen ist, um Literatur in Klang und Rhythmus zu verwandeln. Nach „Das Schloss“ (2015) und „Amerika“ (2017) hat die KAFKA BAND nun auch aus dem dritten Romanfragment Franz Kafkas ein musikalisch-literarisches Konzert entwickelt und sich zu neuen Liedern inspirieren lassen. Ursprünglich schuf Jaroslav Rudiš gemeinsam mit Alexander Riemenschneider und der Band die Musik zu „Das Schloss“ für eine Inszenierung am Theater Bremen, die dort zwei Spielzeiten lang zu erleben war. Der Sound der siebenköpfigen Band hatte sich dann für "Amerika" deutlich verändert: Der Ton war kühler, maschineller geworden, synthetische Klänge, Vocoder und elektronisches Schlagzeug bekamen mehr Raum. Wir dürfen sehr gespannt sein, wie das neue Programm umgesetzt wird. Ein wichtiger Teil der Live-Performance sind auch im neuen Kafka Band-Programm die atmosphärischen Videoeinspielungen von VJ Clad.

Der Luxemburger PASCAL SCHUMACHER gehört zweifellos zu den vielseitigsten Musikern seiner Generation. Als Vibrafonist, Komponist, Bandleader oder Klangregisseur entwickelt er seine immer authentischen Gesamtkunstwerke aus sehr unterschiedlichen musikalischen Einflüssen.
Schumacher spielte gemeinsam mit so aufregenden Musikern wie Maxime Delpierre, Francesco Tristano, Bachar Mar Khalifé, Jef Neve, Kenny Barron, Magic Malik, Rabih Abou-Khalil, Wolfgang Haffner und Nils Frahm. Er verschmilzt emotionale klassische Musik mit minimalistischen elektronischen Klängen zu etwas, das als moderne Klassik bezeichnet wird – für Schumacher selbst ist jede Klassifizierung allerdings obsolet. Für ihn ist die Musik ein einziger grenzenloser Spielplatz.

Nach 11 Veröffentlichungen in Duo- bis Bandbesetzung hat Pascal Schumacher 2020 sein erstes Soloalbum »Sol« beim Label Neue Meister herausgebracht – ein Album voller Musik ohne Grenzen, weder Jazz noch Klassik noch Pop oder Ambient allein, sondern alles zusammen und zu etwas Neuem geformt, zu etwas Atmosphärischem und Tiefem. Seine Fortsetzung findet dies nun im neuen Album »Luna«, eingespielt mit dem belgischen Post-Klassik Ensemble Echo Collective. Trotz der gegensätzlichen Albumtitel werden beide nicht zu Widersachern, sondern ihre Dualität fühlt sich vollkommen ergänzend an, der Ausdruck einer natürlichen musikalischen Entwicklung, so wie der Tag sanft in die Nacht hineingleitet. Nun bringt Pascal Schumacher live im Solokonzert die strahlende Vitalität von »Sol« mit der magischen Ruhe und Intensität von »Luna« in wunderbaren Einklang.

Das aus Maja Osojnik und Matija Schellander bestehende Wiener Duo RDEČA RAKETA (dt.: Rote Rakete) kombiniert abstrakte elektronische Klänge mit schweren Beats, inspiriert von akusmatischer und Industrial-Musik sowie Hip-Hop. In ihrem aktuellen Programm "…and cannot reach the silence" gehen die beiden in den gesungenen und rezitierten Texten Osojniks der Frage nach den zahlreichen Irrwegen der Kommunikation in Zeiten medialer Überangebote nach. Die kunstvolle Verflechtung von gesprochener und gesungener Sprache verschmilzt mit dem collagierten Klangmaterial. Modulare Synthesizer und zerschnittene Samples gemischt mit manipulierten CD-Playern und Aufnahmen von akustischen Instrumenten und Field Recordings ergeben zusammen mit aufwändiger Klangbearbeitung eine wundersam heterogene Mischung.
Das ist sicher nichts, das berieselt, entspannt und zum Nebenbei-Hören taugt. Das Publikum ist eingeladen, in die Klänge einzutauchen, mitzufühlen, mitzudenken. Für dieses Erlebnis muss man offen und neugierig sein, eigenen Einsatz als Zuhörerin und -zuhörer mitbringen. Auch die Texte sind kein leichter Stoff. Doch wenn man sich auf diese dystopisch anmutenden, psychedelischen Reisen mitnehmen lässt oder besser noch aktiv auf diese Reisen mitkommt, wird das Konzert zum großen Erlebnis - vor allem in Kombination mit den Visuals der herausragenden Videokünstler Patrick K.-H. und Ivan Marušić Klif. Hier kommentiert weder Video die Musik noch liefert die Musik einen Kommentar zum Video, sondern die Perspektive wird erweitert, Gesehenes und Gehörtes ergänzen einander und werden zum Gesamtkunstwerk.

Musikalisch sozialisiert zwischen Klassik, Hip-Hop, Rock und Pop, bedeutet "Jazz" den Mitgliedern des HORST HANSEN TRIOS die spielerische Freiheit, all diese Genres zu verbinden und daraus Ihren ganz eigenen Bandsound zu kreieren. „Während unserer Straßenmusik-Touren waren die Zuschauer von dem ungewohnten stilistischen Mix begeistert“, erinnert sich Lukas "Manfred" Weber. „Pop ist populär, weil er meist zugänglich und leicht verständlich ist. Wir möchten zeigen, dass Jazz das auch kann. Dazu gehört, Emotionen freien Lauf zu lassen, anstatt Musik zu verkomplizieren.“
Fraglos geht die Idee auf, heute mehr denn je. Die Musik des Horst Hansen Trios vereint spielerischen Witz, ausgefeiltes Können, individuelle Expressivität und Entertainment. Ihre Musik bezeichnet die Band selbst als "heftigen Überjazz" und meint damit genau diese Fusion, die Kopf, Herz und Bauch anspricht und die auf Jung und Alt wie eine Einstiegsdroge wirkt. Salon-und clubtauglich. Straßentauglich. Festivaltauglich. Heftiger Überjazz eben!

Bester Beweis für ihre musikalische Meisterschaft wie ihren Humor ist das neue Album "Live In Japan" (Jazzhaus Records, 2020): mit ihm ist das fünfköpfige Horst Hansen Trio in einem Atemzug zu nennen mit Künstlern wie Eric Clapton, BB King, Deep Purple, John Coltrane, Cannonball Adderley, Count Basie, King Crimson und den Sex Pistols – weil jede Band, die wirklich etwas auf sich hält, ein "Live in Japan"-Album hat.

»Mit Gitarre, Saxofon und Schlagzeug schaffen sie mehr Farben und Assoziationsraume, als man von der kleinen Besetzung erwartet und haben dabei so viel Spaß an Dekonstruktion, dass aus ihrer Musik ein rundherum humorvoller Kommentar zu den Möglichkeiten des Gegenwartsjazz wird. Grund genug, ihnen den 7. Europäischen Burghauser Nachwuchs-Jazzpreis zu überreichen«, erklärte die Jury dieses renommierten Festival-Awards schon 2015.
Und in der Tat kommt mit MALSTROM eine Band, bei der sich eine unkonventionelle achtsaitige Gitarre nicht weniger unkonventionelle Schlagabtausche mit dem Saxofon liefert, und nahezu unzählbare Rhythmen von immer noch vertrackteren abgelöst werden. Melodisch-schöne Passagen werden mit experimentell-assoziativen konterkariert, eingefahrene Hörgewohnheiten eingedampft.

»Die Musik der drei ist eine perfekt gespielte Mischung aus Progressive Rock von Bands wie ›Dream Theatre‹ oder ›Tool‹ und Gitarrenvirtuosen wie Yngwie Malmsteen und vertracktem Jazz von Steve Coleman oder der Expressivität eines John Zorn. Dazu kommt eine jugendliche Unbedarftheit und Frische, die Spaß macht.«

Das in Ost-Berlin geborene poly-instrumentale Komponisten- & Kuratoren-Duo BRUEDER SELKE gilt als Geheimtipp unter Musikliebhabern. Von Mary Anne Hobbs bis zu gleichgesinnten Kollegen, kaum einer, der die feinsinnigen experimentellen, dabei zugänglichen Veröffentlichungen und Auftritte von Sebastian am Cello und Daniel am Klavier nicht schätzen gelernt hat. Dabei agierten die beiden bisher im Verborgenen unter ihrem Alias CEEYS um ihre Kindheit im ostberliner Plattenbau aufzuarbeiten.

Mit dieser Vergangenheit hinter der Berliner Mauer sind Kollaborationen ein wesentliches Element im Schaffen der beiden geworden, weshalb sie seit 2017 eigene Konzertformate entwickeln. Ihr alljährlich handverlesenes Q3Ambientfest hat, in der Filmstadt Potsdam eine Heimat gefunden. Im Herbst 2021 erschien der zweite Teil einer Dilogie mit Musikhaus und Reworks zu ihrer Doppel-LP Hausmusik von 2020. Hier versammeln sich bekannte und aufstrebende Gäste und Freunde wie Simon Goff, Thor Harris, David Allred, Midori Hirano, Arnold Kasar, Hoshiko Yamane, Mara Simpson, Marina Baranova, Pascal Schumacher & Ben Lukas Boysen. Der Austauschgedanke bestimmte auch ihr Debut beim Ambient-Festival: eine gegenseitige Übertragung gestaltete einen Abend mit Auftritten von Hauschka, Alvin Lucier’s The Ever Present Orchestra, Ausklang und den Bruedern Selke.

Die Gruppe Kittchen besteht heute aus dem legendären Schlagzeuger und Produzenten Tomáš Neuwerth (Lu, Nierika, Kafka Band, Tata Bojs), dem jungen Elektronik-Zauberer Aid Kid (Ondřej Mikula), dem Bassisten Štěpán Růžička (Parta vynikajících lidí) und Kittchen selbst (Jakub König). Eine Aufstellung, die - noch unterstrichen durch die eindringlichen Video-Projektionen von Linda Arbanová – eine Garantie ist für ein rundum sattes audiovisuelles Erlebnis.

Aid Kid ist Musiker, Produzent und DJ – und ein aufgehender Stern der tschechischen Elektronikszene, der schon jetzt mit Jon Hopkins und Apparat verglichen wird. Neben seiner Soloarbeit ist er Teil der Bands Kittchen und Zvíře jménem Podzim und des audiovisuellen Kollektivs Lunchmeat. Auf dem dritten Album, "Collection" (2021) stellte Aid Kid unfertige Tracks der letzten Jahre fertig und zeigte erneut eine erstaunliche musikalische Bandbreite.

Im Vorprogramm ist der Solokünstler trans alp zu erleben, der seit 2004 mit elektronischer, elektroakustischer und akusmatischer Musik auf sich aufmerksam macht.

Jo Berger Myhre [Kontrabass, E-Bass, Electronics]; Morten Qvenild [Keyboards]; Kaveh Mahmudiyan [Tombak]; Jo David Meyer Lysne [Akustikgitarre, selbstgebaute Roboter]

Beschreibung
Jo Berger Myhre ist der unverwechselbare norwegische Bassist, Komponist und Produzent, der sich in den letzten zehn Jahren durch seine Arbeit mit Splashgirl, Nils Petter Molvær und Ólafur Björn Ólafsson in der kreativen europäischen Musikszene einen hervorragenden Ruf erarbeitet hat. Seine Vielseitigkeit und seine Kreativität machen ihn zum wohl aktuell verblüffendsten Bassisten in der Jazzlandschaft.

Sein Debüt-Soloalbum »Unheimlich Manoeuvre« wurde im September 2021 auf dem britischen Label RareNoise veröffentlicht und erhielt allerorten begeisterte Kritiken. Allaboutjazz nannte es »ein besonders überzeugendes Debüt … surreal und unheimlich, organische Klänge, die dem Synthetischen und Jenseitigen gegenüberstehen«, »Myhres einzigartige Vision hält alles ziemlich brillant zusammen«, fand Jazz Journal und Westzeit-Pop meinte »Dieses Wechselspiel von Gut und Böse, von Hell und Dunkel, von Schönklang und Furor zieht sich durch bis zum letzten Stück … Es ist hier warm und neblig zugleich. Schön!«

Mit einer Bandbesetzung, zu der ebenso einzigartige musikalischen Stimmen wie der Bassist selbst gehören, wird Jo Berger Myhre seine zutiefst persönliche Musik präsentieren, die von elektroakustischem Jazz, Ambient und iranischer Musik inspiriert ist.

Hört man das neue Album "The Next Door" des JULIA HÜLSMANN QUARTETTs (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge das Bild eines perfekten Mobiles auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun, wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.

Unprätentiös. Das ist das Erste, was auf- und einfällt, wenn man "The Next Door" abspielt. Dann: Organisch. Als müsse hier jeder Ton, jeder Klang, von Natur aus genau so sein, wie er ist. Und: Offen. Denn das ist dieses Quartett – ein um Julia Hülsmann, Bassist Marc Muellbauer und Schlagzeuger Heinrich Köbberling gewachsenes Trio eigentlich, das seit neunzehn Jahren zusammenspielt und schon immer gern den einen oder anderen Gast zum Mittun einlud, aber erst durch Tenorsaxofonist Uli Kempendorff zu einer echten Quartettform gefunden hat. Kempendorff nämlich gelingt es nicht nur, dem immer leicht über den Dingen schwebenden, den Kopf in den Wolken habenden, ätherischen Triosound die eine oder andere Kante abzutrotzen, sondern auch, ihn zu erden. Von epischem Flow geht es über hochkomplexe Strukturen, durch die das Saxofon zu einer Art Erkundungsspaziergang einlädt, bis zu hypnotischen, afrobeatesken Grooves und inklusive dem für Hülsmann charakteristischen Coverstück, wie immer mit Riesenrespekt vor dem Original bearbeitet: dieses Mobile ist bunt und in Bewegung - und am Ende immer in Balance.

Der als Rising Star der europäischen Jazzszene geltende deutsche Keyboarder und Komponist SIMON OSLENDER präsentiert sein zweites Album „Peace Of Mind“.
Nach seinem gefeierten Debut „About Time“ (2020) zeigt der Pianist, Keyboarder und Organist in seinen Eigenkompositionen nicht nur einmal mehr eine künstlerische Reife, die sein junges Alter nicht vermuten lassen würde, sondern konnte auch gleich zwei lebende Legenden für die Aufnahmen gewinnen: den US-amerikanischen Bassisten Will Lee und den deutschen Schlagzeuger Wolfgang Haffner, der auch als Co-Produzent des Albums in Erscheinung trat. Das Ergebnis ist ein ausgereiftes Album, welches mit einer vielschichtigen Klangwelt, reichhaltigen
Kompositionen und einer ansteckenden Energie beeindruckt.
Nun bringt Simon Oslender im Trio mit seinen kongenialen Mitmusikern Claus Fischer und Hendrik Smock die Musik des neuen Albums auf die Bühnen - eine Kombination, die vor Energie, Dynamik und Spielfreude nur so strotzt.
Einst als "Wunderkind an der Hammond-Orgel" in die Szene eingestiegen, hat der nun 24-jährige Simon Oslender in den letzten Jahren eine beeindruckende Karriere hingelegt. Früh von Eltern und Familie zum Musikmachen inspiriert, war er bereits während seiner Schulzeit als professioneller Musiker tätig. Heute gilt er als einer der vielversprechendsten jungen Künstler des Landes und tourt weltweit als Mitglied der verschiedenen Bands seines Mentors Wolfgang Haffner sowie der aktuellen Formation der Saxofon-Ikone Bill Evans, "Bill Evans & The Spykillers!". Weitere musikalische Ritterschläge waren Auftritte, Tourneen und Produktionen mit u.a. Nils Landgren, Randy Brecker, Steve Gadd, Dr. Lonnie Smith, Thomas Quasthoff, der WDR Big Band und Max Mutzke.

Mit Claus Fischer (u.a. Larry Carlton, Chaka Khan) und Hendrik Smock (u.a. Roachford, Peter Bernstein) hat Oslender zwei seiner engsten Vertrauten an seiner Seite und präsentiert mit seinem SIMON OSLENDER TRIO eine Symbiose dreier Ausnahmemusiker, die ihresgleichen sucht.

Es gibt kaum einen Sänger in der tschechischen Musikszene, der in so vielen Musikstilen zuhause ist, wie DAN BÁRTA. Erdiger Rock, sphärischer Jazz, knackiger Funk, Blues, Pop, Musical – nichts hat der 52-Jährige in seiner bisherigen Karriere ausgelassen. Dabei hat Bárta mit jeder neuen musikalischen Richtung weitere Fans hinzugewonnen. Seine außerordentlichen Gesangsqualitäten verhalfen ihm obendrein zu unglaublichen 13 Anděl-Awards (dem tschechischen Grammy) als bester Sänger. Seit dem Jahr 2000 tritt er hauptsächlich mit Jazzmusikern um den angesagten Bassisten Robert Balzar auf. Und mit dem ROBERT BALZAR TRIO erleben wir Dan Bárta nun auch in der Tonne.

Die dreifachen Anděl-Preisträger VERTIGO feiern in diesem Jahr ihr 20-jähriges Bestehen.

Ursprünglich ein Quartett mit Saxofon, Piano, Bass und Schlagzeug, erweiterte sich die Band bald um die Cellistin Dorotá Barová und den Trompeter Oskar Török. Vertigos atmosphärische Musik wurzelt im Jazz. Mit Electronics und Elementen zeitgenössischer Klassik angereichert, entwickelte die Band ihren ganz eigenen, einzigartigen Sound. Damit und durch ihr perfektes Zusammenspiel wurden Vertigo zu einer der originellsten tschechischen Bands, die durch Dutzende von Club- und Festivalauftritte längst in ganz Europa bekannt ist.

Um ihr Jubiläum zu feiern, präsentiert die Multi-Genre-Band nun ihr neues Studioalbum – ihre sechste Veröffentlichung bei Animal Music. In der Musikszene haben sich Vertigo als diejenigen etabliert, die immer wieder überraschen und sich immer wieder neue Formen, Inhalte und Sounds einfallen lassen. Auf dem neuen Album „Nic“ ("Nothing") hört man komplexe und umfangreiche, aber auch minimalistische Kompositionen, in denen sich unterschiedliche Stile und Stimmungen zu einem kompakten Ganzen verschränken, geprägt von Vertigos typischer Poetik, Anmut und Intensität. Die Zuhörer werden mit vielen unerwarteten und witzigen Momenten und Wendungen belohnt, aber auch mit der Gewissheit, dass dies Vertigo in Bestform ist.

Die fünfköpfige Band ARK NOIR wirkt auf den ersten Blick wie ein klassisch besetztes Jazz Quintett, klingt aber nach viel mehr. Als „Electronic Alternativ Experimental Jazz“ beschreiben die Münchner selbst ihre Musik. Darin wechseln sich Ambient-Sounds mit treibenden Elektro-Beats ab, gepaart mit explosiven Saxofon-Soli und herrlichen Improvisationsmomenten.

Ark Noir gestalten wuchtige Klanglandschaften aus ambienten Flächen, kurz aufflackernden elektronischen Motiven und befinden sich kurz darauf auf einem dystopischen Dancefloor, der mit langen, gewundenen Saxofonbahnen zum Sci-Fi-Soundtrack mit hypnotischen Beats und cineastischen Sounds wird. Rau und dunkel vertonen sie druckvoll und spannungsgeladen die dystopischen Aspekte des Hier und Heute.

Der Israeli RON MINIS ist ein Multiinstrumentalist, der mit virtuosen und rhythmischen Pattern zum Träumen und Tanzen zugleich einlädt. Mit seinem Jazz-Trio bewegt er sich zwischen lyrischen Phrasen und energetischen Rhythmen. Seine Songs sind in ihrer Vielfältigkeit kaum zu übertreffen. Ron Minis kreiert musikalische Welten voller Emotionen, verführt mit sanften Melodien am Klavier, wechselt unvermittelt in hämmernde Staccati und endet in sphärischen Klangwelten ohne dabei denn Spannungsbogen seiner Songs zu verlieren. Nicht ohne Grund lässt er sich von Genregrenzen nicht beeindrucken, nennt im gleichen Atemzug aber auch »Brutal-Jazz« als Heimat seiner Musik. Wenn er während der Konzerte zur E-Gitarre greift und der Übergang vom über einen zweiten Gitarren-Amp verzerrten Flügel verschwimmt, wird klar, was er damit meint. Doch die nahöstliche Kultur Israels oder der Einfluss von Künstlern wie Tigran Hamasyan lassen Genre-Gedanken gleich wiederverschwinden …

»Wäre Ludwig van Beethoven heute am Leben, würde er das wohl befürworten.« (radio.com)

»Passos do Vento« (dt. Schritte des Windes) ist ein Song von Zélia Fonseca mit einem Text von Katharina Franck.

PASSOS DO VENTO nennen die beiden Musikerinnen nun ihr neues gemeinsames Projekt, zu dem sie den Gitarristen Christoph Bernewitz (Clueso u.a.) und den Bassisten Markus Runzheimer (Club der toten Dichter u.a.) eingeladen haben und in dem sie Songs aus ihren Repertoires interpretieren und Neues schaffen, das der Wind wieder verweht. Die Jazz-, Rock-, Pop-, World- und Experimentalinstrumentalist*innen knöpfen sich ihre Lieder aus weit über 30 Jahren musikalischem Leben vor, lassen sich hier mal Zeit, die Noten zu spielen, verdichten dort die allseits bekannten Melodien zu einem hochmusikalischen Wirbelsturm. Ihre Texte in portugiesischer, englischer, deutscher und gelegentlich auch französischer Sprache, sind poetische Auseinandersetzungen mit dem Alltäglichen und dem Erhabenen, wilden Gefühlen und einem humorvollen Umgang damit. Sie erzählen von einem Leben für die Kunst und die Musik.

Wenn FALK ZENKER & FLORIAN MAYER auf der Bühne zusammentreffen, dann entfesseln sie ein wahnwitzig virtuoses Zusammenspiel, schwelgen im nächsten Moment in verträumten Fantasien und würzen das Ganze mit spontanem humorigem Entertainment. Einem musikalischen Gespräch gleich, überraschen sich die beiden langjährigen Musikerfreunde gegenseitig mit unerwarteten Wendungen und improvisatorischen Ausflügen, die sie kongenial und traumwandlerisch immer wieder zu neuen vollendeten Höhenflügen verweben und so jedes Konzert zu einem inspirierenden und einmaligen Ereignis werden lassen.
Auf dem Programm stehen Zenkers Kompositionen oder Bearbeitungen zwischen Mittelalter, Klassik, Flamenco und abgedrehter Weltmusikmoderne, Mayers grandiose Paganini-Bearbeitungen und neuerdings gemeinsame Improvisationen über Klassiker der französischen Konzertmusik, wie Satie und Fauré.

Der Weimarer Gitarrist und Komponist Falk Zenker wurde unlängst von der Fachzeitschrift "Akustik Gitarre" zu einem „der kreativsten Nylongitarristen des Landes“ gekürt und spielte mit seiner fantasievollen und assoziativen Musik bisher ca. 1500 Solokonzerte im In- und Ausland. Außerdem tourt er mit seinem Ensemble Nu:n, das sich der modernen Betrachtung frühester Musik verschrieben hat, und realisiert diverse Klangkunstprojekte und Musik für Film, Fernsehen, Theater und Hörbücher. Mit Florian Mayer verbindet ihn seit 2000 eine langjährige Zusammenarbeit. Dieser hat in Dresden bis zum Meisterstudium Violine studiert. Nach Abschluss begab er sich neben der Klassik auf die abenteuerlichen Pfade der improvisierenden Folk-, Jazz- und Weltmusik. Als Geiger beim „Blauen Einhorn“ ebenso wie mit seinem Soloprogramm „Mein Paganini“, im Duo mit Harfe oder Klavier, einer eigenen Dresdner Veranstaltungsreihe „Mayer trifft“, zahllosen Schauspiel- und Tanzproduktionen als auch als Studiomusiker brilliert er in vollendeter Virtuosität, mit herzzerreißenden und gleichzeitig augenzwinkernden Melodien und diabolischen Improvisationen, ergänzt mit seiner legendären Mundperkussion.

Die 1986 geborene Cellistin SOPHIE ABRAHAM komponiert, interpretiert und improvisiert entlang musikalisch-kreativer Grenzüberschreitungen. Zwischen Klassik, zeitgenössischen Kompositionen und experimentellen Klanglandschaften. Sie erweitert sie den Klangraum des Cellos mit ihrer Stimme, ihren Sprachen (Niederländisch, Deutsch, Englisch), mit Loops, Montagen und Overlays.
Das erste Soloalbum von Sophie Abraham ist ein mutiger Schritt in mehrfacher Hinsicht. Nach Einspielungen mit unterschiedlichen Ensembles wie radio.string.quartet, the Little Band from Gingerland oder Trio Frühstück, ist die Arbeit an ihrem Soloalbum »Brothers«, das ausschließlich Eigenkompositionen enthält, eine andere Herausforderung. Sophie Abraham: »Die Arbeit an diesem Album, ist für mich vergleichbar mit einem Pilgerweg, den man (fast) alleine geht. Man trifft viele Leute aber man begegnet noch öfter sich selbst.«
Gleichzeitig beschäftigt sie sich mit einem der existenziellsten Themen: dem Tod.
Für diese Auseinandersetzung, die man nur ganz individuell machen kann, findet sie Ausdruck in ihrer Musik und lädt das Publikum ein, daran teil zu haben.
»‚Brothers’ ist ein sehr persönliches Programm: Meine zwei Brüder kamen 1993 in einer Lawine ums Leben. Die Musik auf meinem Album ist manchmal schwer, doch huldigt sie dann das Leben in seiner Schönheit umso mehr.« (Sophie Abraham)

Das "Bookzin zum Durchatmen" lädt zur doppelten Premiere

Das Buchmagazin STADTLUFT Dresden feiert das Erscheinen der Bände 05 und 06 mit einem musikalischen Foto-Lese-Abend.

Unter anderem sind dabei: Die Band YOUKALÍ mit Liedern ihres neuesten Programms "Halte dich an Wunder – Großstadtlieder in Szene", der Schauspieler Ahmad Mesgarha, die Schauspielerin Christine Hoppe und die Autorin Marlen Hobrack. Die Herausgeber Peter Ufer, Amac Garbe und Thomas Walther werden ebenso zugegen sein wie einige weitere Bühnen-Gäste.

STADTLUFT DRESDEN ist eine jährlich einmal erscheinende neue Mischung aus Magazin und Buch, ein Bookzin. Über Dresden. Die drei Dresdner Herausgeber, der Fotograf Amac Garbe, der Grafiker Thomas Walther und der Journalist Peter Ufer, vereinen mit ihrer seit 2016 erscheinenden Publikation für den Buchhandel auf ca. 150 Seiten essayistische Lesestücke, Zeichnungen, Interviews, Porträts und Reportagen, die den Blick hinter bekannte Dresdner Geschichten der Vergangenheit und Gegenwart lenken.

In der Musik von SYNESTHETIC4 treffen Jazz, progressive Clubsounds und HipHop kreativ, vielseitig und virtuos aufeinander. Manisch bewegt sich das Quartett aus Österreich durch vertrackte Beats, eingängige Melodieparts und genreübergreifende Sounds.
Synesthetic 4 sind wahrscheinlich die erste und einzige Band, die mit einem Dada-Rap Flashmob-Video im Wiener Konzerthaus ihr neues Album promotet haben. Die verrückten Ideen des Vierers können auf dem bandeigenen Youtube-Kanal "pongovinc" verfolgt werden. Hier kann man wunderbar nachvollziehen, wie sehr Synesthetic 4 daran gelegen ist, ihre Musik gekoppelt mit anderen Sinnesreizen – synästhetisch – wahrzunehmen, Geschichtenerzähler-Musik zu machen.

Hervorgegangen aus Vincent Pongraczs Synesthetic Octett hat sich das verkleinerte Ensemble mancher Schnörkel entledigt, die Musik kommt deutlich fokussierter daher: Reduktion auf das Maximum, souverän zwischen Wahn und Witz.

Nout | Julia Kadel 5tet

Nout — Die Gottheit Nout war im alten Ägypten allgegenwärtig. Die Schutzgöttin der Ägypter wurde nackt und auf allen Vieren dargestellt, ein Sternengewölbe bildend. Abends verspeist sie die Sonne, um sie morgens wieder neu zu gebären. Darum symbolisiert sie nicht nur den Himmel, sondern auch die Auferstehung. Es ist diese pulsierende, positive Energie voller Vitalität, die die Musikerinnen von NOUT zu einer überbordenden Mischung aus Metal Rock, Jazz und Noise mit spirituellen Höhenflügen à la Sun Ra inspiriert hat.

Julia Kadel 5tet — Mit einer Carte Blanche von Jazzdor ausgestattet, konnte sich JULIA KADEL im vergangenen Herbst ihr Traumensemble zusammenstellen. Die Berliner Pianistin hat in dieser deutsch-französischen Formation Musiker*innen nicht nur verschiedener Nationalitäten, sondern auch mit ganz unterschiedlichen Erfahrungen, Einflüssen und idiomatischen Traditionen zusammen gebracht. Basisierend auf Dialog und Austausch, unter Berücksichtigung des Anderen in seiner radikalsten Einzigartigkeit, knüpft die freie und offene Musik von Julia Kadels IDIOME UNI an die ureigensten Werte des Jazz an.

Suzanne | Matthieu Mazué Trio + Michaël Attias

Suzanne — "Suzanne takes you down to her place near the river" – das war Leonard Cohens Suzanne. Das französische Trio SUZANNE lässt Erinnerungen an solche und andere zeitlose und bleibende Folksongs durch ihre Stücke schweben, verbindet sie mit neuartigen, harmonisch fließenden Klängen. Suzanne sind gleichzeitig das Kind, das irgendwo gehörte Melodien summt und wie der Großvater, der seine Erinnerungen teilt – drei Musiker*innen, die alles schreiben, spielen und singen, was ihnen je zu Ohren kam und daraus eine Folkore Imaginaire von einzigartiger Schönheit schaffen.

Matthieu Mazué Trio + Michaël Attias — MATTHIEU MAZUÉ stammt aus Straßburg und beendet gerade sein Kompositionsstudium an der HKB in Bern. In nur wenigen Jahren hat der junge Musiker mit seinem Trio einen sehr eigenen Sound entwickelt. Die Jazzdor-Macher waren davon so begeistert, dass sie sich entschieden haben, 2022 Mazués nächstes Album auf dem "hauseigenen" Label jazzdor series zu veröffentlichen und ihn nach Berlin und nun auch nach Dresden einzuladen. Hier kommt es zu einem Zusammentreffen mit dem großartigen New Yorker Saxofonisten MICHAËL ATTIAS.

A Celebration of the Life and Music of Jeff Buckley — Musik und mehr zum 25. Todestag des bewunderten Ausnahmetalents

Gary Lucas ist einer der innovativsten, eigenwilligsten und wagemutigsten Gitarristen, die New York, Amerika, die Welt je hervorgebracht hat. Immer noch eine zentrale Figur in der führenden Avantgarde-Szene der Stadt, gilt der Komponist, Autor und Gitarrist mit seinen 30 Solo-LP-Produktionen sowie unzähligen Kollaborationen und Live-Auftritten weltweit als wahre Musikgröße.
Lucas arbeitete mit einer unverschämten Fülle legendärer amerikanischer Künstler zusammen - Captain Beefheart (in dessen Magic Band er spielte), Lou Reed, Nick Cave, … Vor allem aber Gary Lucas' Zusammenarbeit mit Jeff Buckley hallt zeitlos bis heute nach.

Zum 25. Jahrestag von Jeff Buckleys Tod, der am 29. Mai 1997 bei einem Unfall starb, wird Gary Lucas mit handverlesenen lokalen Künstlern zusammenarbeiten - in Dresden sind es Sängerin Veronika Kralacek und Sänger Hallam London - und wird einen offenen, hautnahen und persönlichen Blick auf seine Zusammenarbeit und Zeit mit Jeff Buckley werfen, seltenes Videoarchivmaterial von ihm mit Buckley zeigen und sein Buch "Touched by Grace" vorstellen, in dem er die gemeinsame Arbeit dokumentiert hat. Wir werden die bahnbrechenden, gemeinsam geschriebenen Hymnen "Grace" und "Mojo Pin" (die ersten beiden Songs auf Jeffs 2 Millionen verkauftem "Grace" -Album) sowie ausgewählte Songs von ihrer LP "Songs to No One" als Teil einer einmaligen Veranstaltung zu hören, die das Leben des bewunderten Ausnahmetalents feiert.

Man stelle sich vor, wenn eine der besten Jazzbands der Schweiz auf ihr österreichisches Pendant trifft und mit diesem fusioniert: Ein transalpines Musikereignis der Extraklasse vom vordersten bis hintersten Zugabteil würde da entstehen. Aber was heisst hier «würde»? Die Kombination gibt es, und sie ist auf dem besten Weg zu Kultstatus: Das Quartett The Great Harry Hillmann plus das Trio Edi Nulz ergeben zusammen das Septett THE TRUE HARRY NULZ: Zwei Bassklarinetten, zwei Gitarren, zwei Drums und ein Elektrobass sorgen für clevere Arrangements, unisono Stereoeffekte und improvisatorische Aus- und Beinbrüche – Austro-Helvetia-Power at its finest! Servus Pfiat Di und Ade messi!